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    我是古巴 Я - Куба (1964)

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    • 豆瓣 9.0 IMDB 7.6 正片
      Το βλέμμα του Οδυσσέα
      1995
      考驾照
      法国

      尤里西斯的凝视

       Το βλέμμα του Οδυσσέα
      • 豆瓣网友的评价
      • 来，给坚持看完的同学鼓鼓掌～
      • 精神洗礼！1.借助奥德修斯神话原型,回眸巴尔干战争史,百年电影发展史和人类心灵的千年追寻之旅;2.45-50年家庭舞会长镜头,唯大师可拍出.其他开放时空的意识流有片头和想象被捕场景;3.结尾雾中悲歌,画外音的运用;4.同一面孔不同身份的女子,寄托哀思;5.配乐哀婉凝重;6.被肢解的列宁雕像,反思。（9.0/10）
      • 都怪黑格尔，因为他影响了马克思
      • 一次寻找记忆的旅途化成了影像散落在巴尔干的土地上。被遗忘的苦难无法被记录，时刻发生的又被大雾遮住，电影的力量此刻完全消失了
      • 二刷，48届戛纳评审团大奖。1.奥德修斯神话对接巴尔干战争史，百年电影发展互映人类心灵遗寻。诗化苦痛与悲难，带出安哲漂泊无根/家园破碎的永恒母题。2.肢解列宁雕像/幻想被捕/浓雾与民族末路/打破时空界限，跨时五年的家庭舞会长镜头。3."敬我们无法梦想改变的世界、所有幻灭的希望，敬那些选择提早离开的人"；我们一生都在找寻那些印证着我们曾存在过的爱的标记。|妈妈，可否与您跳支舞？（9.3/10）
      • 记得豆瓣曾经有一个话题“令人着迷或恐惧的巨大物体”。 对于欧洲来说，无论是巴尔干，伊比利亚，斯堪的纳维亚还是高加索，那红色的镰刀与锤子是挥之不去的梦魇与庞物。
      • 真是一部宏大、深奥的巨作，却陷于各种铺陈中，大量象征意味的镜头有些越俎代庖了，剧情被不断挤压。哈威·凯尔特的表现极为出色，最后在雾中痛哭那段，让人想起《哭泣的草原》结尾。寻找电影，寻找梦，寻找回忆。
      • 寻找三卷电影胶片，亦是寻找民族的历史。长镜头内部视点转变，列宁巨石像的遥指与凝视，迷蒙白雾中歌舞与枪响编织成撼人心弦的血泪诗章。
      • 悲悯的历史情怀充斥全片。不仅是壮观的巴尔干半岛寻找之旅，也是主人公记忆的心路历程。难忘几场同一空间时空穿梭的牛逼调度长镜头。尤其是神来之笔的新年舞会穿越戏。依旧有安哲前作的影子。《再见列宁》的列宁雕像戏原来源自这里。//20240630资料馆大银幕二刷。仍被新年舞会10分钟跨越时空长镜头感动得一塌糊涂。男主角穿越巴尔干半岛寻找胶片的旅程，也是个人家族史、马纳基兄弟的经历与二十世纪巴尔干半岛战争史的回溯。玛雅·摩根斯特恩一人分饰男主分别遇到的故乡街头女人/档案馆职员/寡妇/萨拉热窝的奈奥米，各自对应尤利西斯（奥德修斯）神话中的妻子佩涅洛佩/神女卡吕普索/女巫喀耳刻/公主瑙西卡。这些在男主旅程中出现的：同一张面孔不同地域身份的女人、似梦非梦的母亲、千疮百孔的雾中城市、肢解的列宁巨像，种种意象直击心灵，令人感伤心醉
      • 8/10。1、看完好迷茫：无聊的地方巨无聊，想哭的地方又欲哭无泪。2、一如塔科夫斯基波澜壮阔的空间调度，[坏中尉]之后再遇赤裸的哈威。3、连绵的雪地，残破的影院，巨大的列宁像，燃烧的汽车，未记录的胶卷，以沧桑的躯体回首苦难，笼罩在多瑙河上的悲凉与绝望还在重演，再见，孩子们，再见，故土....
      • 灵魂若要了解自己，它必须凝视自己的灵魂。 这故事将永无止尽。
      • 诗意的白雾里面是走不到的明天，道路两旁的残垣断壁是残酷悲恸的过去。躯体在路上踽踽独行，抵达目的地时，灵魂却已经在路途中满目苍夷。电影的起源，那是一个和平与爱的年代，是自己想要逃避而往的时空，正是那个出口散发着微弱的光芒，自己凝视着，才能坚持的活着。
      • 你跑这么远来寻找大家都以为已经丢失的东西，你一定有很深的信念，否则一定会非常绝望；世纪初被俘虏的凝视，在世纪末被释放——这是电影，又不是电影。正如我们通过拍电影来诉说、记忆、表达，但之于真正的历史悲伤——那苦寻不得洗印不出的胶卷——都如最后雾中的哀号一样凄婉而空荡。前半段（至列宁像）完美，极致流畅丝滑的穿梭调度；到达贝尔格莱德之后往下掉。新年家庭聚会这一场戏即可打到满分。拆掉的列宁石像可与《雾中风景》断指巨掌对看，此处手指尚在僵持着某个方向；夜里脑后凝视幽灵回魂般的对话惊心动魄。当大雾弥漫就是节日，我们在萨拉热窝跳舞。
      • 他追逐這塊大地的歷史，歷史卻反過來追逐了他，每每於鏡頭鏡框之外物換星移、悄然現形、轟然發聲、等待他踏足後的驚呼而洋洋得意。唯獨一個女人例外，只有她在月台追著車上訴說往事的他時，選擇跳入他的車廂而不是唾手可及的離開鏡框，物換星移第一次失去力量，他的昔日於她更勝大地的歷史。太動人了…
      • #079#时隔一年再看安哲，一样的爱琴波涛，一样的石膏雕塑，一样的孤舟游荡，一样的雾气弥漫，安哲一生或许只在完成一部影片，缓慢悠长的镜头里不断重复着失去、追寻又失去的故事，如奥德修斯/尤利西斯在海上的十年漂泊，关于希腊的乡愁只能是永恒而模糊的雾中风景。
      • 1.《雾中风景》《永恒和一日》后终于再次观看西奥·安哲罗普洛斯的电影作品，不少诗意的长镜头画面颇有庄重的仪式感，诸如家庭团聚舞会的戏份则有超现实的舞台设计之味，然而缓慢的叙事节奏、略闷的故事情节终究还是限制了我对影片的喜爱；2.印象里看过的电影制片国家/地区最多的是有9个的《善意的背叛》，如今又看到一部有9个制片国家/地区的电影《尤里西斯的凝视》（我的第一个“波黑”标签条目诞生了）；3.虽然如今的我比较习惯观影前不看剧情简介、评论、预告片等，但有些电影（如前后观看《特写》和本片）反倒看了剧情简介后观影时更有代入感。4.吊列宁雕像头的画面想起了《再见列宁》，与本片相比，更喜欢《再见列宁》。
      • 与《哭泣的草原》并列为安氏最差作品:它们大多用抽象苦厄抹平具体性情,常对主人公表现出虐待狂式的展陈与观看癖好,为显示境地之惨而罔顾事实逻辑——此片结尾枪毙一家四口,《雾中风景》卡车强奸流血,《哭泣的草原》树上吊死群羊,为了给虐杀搭建几个足够好看的布景而牺牲人物形象,扰乱叙述语气,将绝对他异的苦难谱为一曲八点档雅俗共赏的苦难之诗.所谓宏大深邃的历史记忆之思永远寄生于俗不可耐的情节剧模式——流浪,婚葬,酒乐,枪火——有关历史记忆他做了怎样的思考和展现呢？无非哭哭啼啼,唱唱跳跳罢了.角色都成了无人格故而无法(也不必)区分的,只会自动反应的vehicle(蹲着!跑!上车!下船!唱歌!边哭边唱!),导演除了他们的磨难以外从没有别的兴趣.
      • 要认识自己的灵魂，就要凝望自己的灵魂。
      • 可能是安哲最苍白的一段旅程，糟糕的是他始终自以为宏大，侧面证明了希腊确实正在死去…安哲电影的原型其实是公路片，但这次偏差的不是追寻的目的（毕竟老塔也曾为了一个名义而深入灵魂的腹地），也不是追寻的方式，而是安哲错估了观众同他一起重复凝视，和迷失在风景中的耐性和决心，但这可能也和未修复的画质缺乏细节有关。除了第一个镜头，黑雨伞和列宁雕塑，几乎很少用到大景别调度，这又和作品纵横交错的历史感有些相互消解。文本内外设计的四重“凝视”：Minakis兄弟第一次用摄影机“记录”巴尔干的变迁；主人公在“寻觅”遗失胶卷的路途上亲自直面遗骸和战火；而安哲在尝试对“回归”进行“记录”的终点，确信了“历史被返还”的不可能性；于是观众被寄予了“传承凝视”的希望。
      • 最爱从火车站一幕转到童年回忆，舞台化的展现历史变迁，直至合影，年轻的主人公入画，牛叉闪闪。
    • 豆瓣 9.0 IMDB 8.0 HD
      Андрей Рублёв
      1966
      剧情片
      俄罗斯

      安德烈·卢布廖夫

       Андрей Рублёв
      • 豆瓣网友的评价
      • 史诗长卷宗。三个多小时的时间里探讨艺术、信仰、欺骗、世俗、欲望、战争，终至沉默。（不喜欢最后的《铸钟》一章）。从俯瞰镜头的震慑力量到坍塌教堂里一只走过的黑猫，塔科夫斯基是最好的影像作家。但是为了看懂情节很多镜头设置都没看懂。另外，资料馆的字幕是活人翻译的？
      • 《安德烈·卢布廖夫》是一部值得看一遍再看一遍以至无数遍的片子，因为它太沉，太深，离信仰太近，离我们太远。
      • 总会有这样的导演，你可以不喜欢，但不能不敬畏：布列松、安东尼奥尼、塔可夫斯基。而老塔是其中最沉重的一位，看过此片，你会知道，沉重自有沉重的道理。
      • 老塔对受难场面的表现能力太强悍了，这绝对与民族性有关
      • 8/10。老塔为传记片注入了神秘主义的质感，譬如流血的手浸入小溪漾出乳白色液体，鞑靼人洗劫城镇时从天而降的鹅，许许多多的圣愚形象把观众代入一片精神领域：乘热气球的农民为实践理想而死，民间艺术的小丑无视世俗眼光，给死人编鞭子的傻女表现摆脱乱世的幸福渴望，执着勇敢的铸钟少年更像一位圣徒。大地与生命信仰紧紧相依，飞翔的农民注视着大地，不可避免的坠落回归大地（挣扎的马将死亡的痛苦含蓄化），铸钟少年在雨水泥泞的大地寻找祷钟的原料，结尾一群骏马在雨帘的草地上嬉戏，作为精神洗礼的宣示。光影造型追求肖像画特点：淡化景深，前景布光集中打在人物脸上，力求构图的完美平衡感，舒缓的气氛调动了无限的空间感受，当长镜头从引导铁水的沟槽移向拉风箱生火的工人，再由祈祷钟的模型摇拍大公及其卫队和围观群众，传递着诗意性的影像内涵。
      • 塔可夫斯基犹如神迹的史诗片。1.热气球坠地与骏马翻滚；2.裸女的狂欢与游向彼岸；3.一切皆为虚空；4.白桦林中的灰蒙细雨；5.于神的宽恕与自我忏悔间踽踽独行；6."女源出于男"vs哑女面对泼墨白墙的啼泣；7.以少年铸钟喻指雕刻时光；8.末段对彩色壁画细节的驻足观赏+砖墙雨锈+四马雨中食水草。（9.0/10） | 20241201 加长修复版大银幕重温，长镜调度行云流水让人叹服，俄国民众曾经遭遇的无尽苦难被呈露得如此写实，艺术与信仰的意义不断经受着拷问质询。卢布廖夫在亲睹酷烈世事后一度幻灭失魂，但终于在那场极度仪式化的铸钟后重归初心，历遍沧桑后方创作出杰出的艺术作品。天鹅+飞行的主观镜头太动人，还有对流浪艺人的横摇长镜。“在神圣宽恕与自我折磨中苟活吧。” “还有什么比教堂里下雪更可怕的吗？” 对[哥林多前书]第13章“爱的颂歌”的引用。
      • 【B】①还是更喜欢老塔带点幻想色彩的片子，不管怎么说，一直号称本质塔粉的我总算把他片子都看完了②大场面调度骇人③友情提示：看这部电影前最好看看圣经，我没看，我懵逼了。
      • 没啥说的 老塔真是个拿电影当艺术、冥思的人啊；跟着老塔走得都得走火入魔了。。不过说实话 爱画画不画滚纠结个蛋啊 按现代视角我还站在鞑靼人一边呢。信则有不信则无纠结个蛋啊天天想这个十字架压死你
      • #重看#siff@和平；深沉磅礴的史诗级作品，所谓用镜头写诗即是如此；开场的「上帝之眼」俯瞰众生，浸润着火与血的广袤土地，飘荡着尘与雾的教堂穹顶，爱是慈悲爱是忍耐；他游荡在俄罗斯的大地上，经受地狱一季，藉由铸钟少年开启神启，顿悟万物，涅槃天堂。
      • 塔可夫斯基最差的电影，大概……
      • 把灵性放置于战火、斗争、异教以及无处不在的人性考验里淬炼，圣之所以为圣，是能在种种苦痛与震荡中，走向蜕变，走向更恩慈的光明，而不是滑向沉堕，滑向被钳制的黑暗。卢布廖夫如同一道超越凡间与当下的光，就连自我都需要磨难，才能理解信仰的意义，这电影就是一场飞跃的灵修诗篇，时光被钟声粉碎，落成一座人自身的圣殿，给千疮百孔的人世间点起灯与火。三十多岁的老塔，思想灵魂几乎驾着卢布廖夫光速飞升。四星半。#资料馆#
      • #重看名作#因为想写两年前的金环之旅，重看了这部巨作。不幸的是，和初看的10年前一样，关乎宗教、牺牲和奉献的巨作，始终和旅途中那些恢弘教堂里金灿灿的圣画像一样，因为全然无感和无关的宗教体系，任凭我再怎么试图集中精力凝视，都还是太远在天边。透视法也宛如现代电影叙事一样，一道让我远离荣光
      • 【880】盖文王拘而演周易；仲尼厄而作春秋；屈原放逐，乃赋离骚；左丘失明，厥有国语。卢布廖夫周游西伯利亚的广袤土地，目睹了农奴的绝望，同僚的背叛，原始的疯狂，异族的侵略，统治者的残暴，他甚至亲自举起屠刀，为了善意而侵染罪恶，并无数次由自我或他人践踏信仰；直至暮年，钟塔修成，他才收获了多年难觅的灵感——或许只是释然了而已，他创作圣三位一体，也不知其中的神性是才华横溢的施展还是苦修一生的所感所悟。联想到数年后也在动荡的时局中背井离乡、四处漂泊的塔可夫斯基，这似乎是所有伟大艺术家难逃的命运。
      • 2016SIFF。老塔讨论信仰危机，人与神的对话与反思。鲁勃廖夫用缄默和「圣愚」作为自我惩罚，结果「圣愚」跟着鞑靼人跑了最为黑色幽默。最后实现信仰回归的，却是少年铸钟人的坚持，而后者根本没有「诀窍」颇能看出老塔的态度更接近禅意。
      • 前半程昏昏欲睡，铸钟一场津津有味。原来钟是如此铸成，如有神助。“你为人们带来喜悦，自己却在哭泣”，很多伟大的作品被看到被赞颂，作者的感受却很少如此真实地体现，他们的眼泪中有喜悦和感动，有倾泻而出的压力，有曾经对自我不断的怀疑，以及旁人的质疑或鼓励。一座钟，一幅画，一部电影，背后包含了太多足以令人泪流满面的东西。 #资料馆No. 16
      • 不是鲁勃廖夫的传记，而是一个民族的史诗。民族的诞生先于国家，而民族的诞生则始于它的文化的诞生，在15世纪统一的俄罗斯帝国还没出现之前，俄罗斯文化的出现是一个新生命的开始，鲁勃廖夫就是在历史、宗教、艺术交融砺练中的民族一份子。电影突破人物为核心的传统叙事，以民族为潜在核心，给观众呈现
      • #19th SIFF# 塔爷的大场面简直控得神乎其技。开头那个飞翔的长镜头，突袭和铸钟两端的长镜头看得眼泪都要下来了。修复版画质感人。
      • 完整电影神话的斯拉夫往事，采用构建诗歌的方法论，承载宏大主题的象征性元素作为氛围，镜框中最普遍又独特的封装元素是土地、雨水、树木等自然质感，它能链接厚重历史，同样也是老塔承托哲学生机的独属知觉，情感安静地流淌于影像，影像直觉则更简洁，只是在引起情绪能被认知的兴趣时，进入其中然后固化时间。
      • 前些天梦到了《Solaris》的曲调，赶紧找来了这一部看，看到最后才发现不完整。今天终于完整看了一遍。 至此，老塔已全部补完。 安德烈真是一个诗意的名字，他们注视着人间疾苦，悲天悯人地想要去拯救人类。比起和费奥凡不同的态度，安德烈始终对人性抱有希望，所以这是他的不同之处，他只是一个普通人。 所以无论教堂被毁，还是神圣的画像，都是外壳，巨钟鸣响才是本质，人类需要信仰，更需要对自身的信仰。 安德烈只是一个代表，老塔借这个代表从迷惘，沉默，到燃起希望的过程，表达了他对人类无限的信心。 就像最感动我的那段来自《哥林多前书》的话“爱是永不止息”。爱自己的民族和脚下的土地永不止息。
      • 4.5 三小时人世苦难茫茫漫游，在截取式构架和沉稳大气影像诗统摄之下的艺术家人生故事，大场面震撼人心。并非塔氏无瑕之作， 人物显得过分愚昧无知，无法感同身受，无穷尽的审视；而剧作的狂躁与大部分诗意影像之间形如象与景的不平衡，割裂感横生。
    • 豆瓣 9.0 IMDB 7.9 HD
      Зеркало
      1975
      剧情片
      苏联

      镜子

       Зеркало
      • 豆瓣网友的评价
      • 大家都在执着于把一部电影“看懂”，用一种贯穿始终的逻辑去解释它。但老塔本人其实是反对破解他的作品的。在他看来：<镜子>=艺术品，既无思想、寓意、情节、发展、结局，也不该滥用象征。观众离内容愈远，便离影像愈近。因此任何对电影的解读，也不过是一种自我投射。情绪直觉的触动与接近就已足够。
      • 同样拍记忆:伯格曼的介质是意识，是由内向外的。浓重的混沌感，灵魂出窍，情绪是受感染的；塔可夫斯基的介质是环境，是外界本身。流水、烈火、镜面，氛围澄澈，光影绝佳，情绪却是难以捕捉的。我能欣赏美，但美并不都为我所爱。这类电影就像窥看他人的记忆，我能产生耦合感，一样也能产生排斥感。
      • 108分钟的老塔电影简直太良心。
      • 与黑泽明最后一部《梦》一样，这是一部极其私人的电影，它是拍给自己看得。乡村随风起伏的树丛，城市公寓破败渍水的墙壁，镜子中一张张沉默的脸庞，被塔氏的诗歌和配乐晕成一幅幅如油画般的镜头。我们只能从中找到极小的一部分关于自己，剩下的属于千万影迷。
      • 我认为这是最美的电影，像诗集，可以常常拿出来翻看。
      • 自然是一座神殿，那里有活的柱子。行人经过此处，穿过象征的森林——波德莱尔
      • 父亲死于35年的“大清洗”。大火象征戰爭。成年后的“我”始终没有露面和父亲的缺席不谋而合。片头少年失语和片尾我的吶喊相呼應。风代表父亲，無形卻強大，聯係之後父親的夢中歸來，凱歌高奏。母亲是水，聖潔，卻被玷汙。西班牙内战，悲涼的苏联飞艇暗示社會主義理想的破滅，二戰，核爆，文革……
      • 4.5。草场那一幕太美了，仿佛风与心之所向，不同身之所往。当记忆、梦境与此刻交相互文，灵魂得以充当唯一的真实，而自察就是这首以镜为题的诗。—“语言无法表达一切感知，它们太苍白无力了。”—是啊，所以你需要电影，所以我们需要你的电影。【在豆瓣标记的第2000部电影】
      • 2024-8-31三刷；发现很难不想起《野草莓》，一个打乱时间的死之将至的倒叙合乎回溯一生的脑内迷宫模式，所有情感都关乎父母——与《飞向太空》异曲同工，尤其是结尾，梦回父母相爱的时光，想象自己出生之前，飞升与落下的意象反复交替出现。 因而全然不必计较碎片的情节，这是一个人泅渡记忆之海的痕迹（我们只需随之漂浮其上），于是童年木屋尚未沦为废墟，牛奶反复打翻，水的气息和火的热度自梦境穿来仿佛可感，神秘扬起的风吹进余生，犹在镜中，如在梦中。 个体成长与历史进程的同步（大事件叠加），撑起广袤时空，雨滴里的微观世界映照无垠宇宙；目光流转过的静物储藏、折叠、隐匿了空白未交待的大段生命，通常在光线明灭、人物转身的瞬间就发生了时空的迂回或快进，桌上快速流失的热气遗迹就是时间逝去的速度。
      • 黑白与彩色的闪回代表了战争与真实的残酷也有如彼此镜像之影~世界是镜像的也是虚幻的。矛盾的螺旋，心结的未解。没有人带你回到过去，没有人陪你老去，镜子里重重悲哀。
      • 你说不复杂可我还是很费解.
      • 前苏联语境下塔科夫斯基的自传性电影，有些人做事就得有更多的人害怕，然后镜头就转向了墙上的斯大林。历史即镜子，水与火碎片似的不同时间黑白彩色交织的影像梦语，中国的片段也是一种对照，何况还有好多后世作品被影响对它参照的影子。北影节资料馆胶片版，每一部分的色调都不一样，巴赫的曲子配乐。2021北影节深影4K修复版改五星。
      • 叙事结构与色彩转换都自成一派，不过诗意影像本身比条分缕析的阐释尝试更具直击心灵的力量。风吹草浪,气球,消逝的热气,崩落天花板,小鸟抛上；浮空,火屋与奶罐倾倒同[牺牲]。| 老塔惯用元素总结:长镜,极慢推镜(常至特写),巴赫,骤雨&漏雨,水沼&水草,燃烧的纸/叶/房子,马,狗,苹果,镜子,神迹。（9.5/10） | 20241201大银幕重温，属于极少数几乎每一个镜头都瑰丽无比美妙绝伦的电影，值得反复观看，也会是我准备扩充到的个人影史30佳之一。老塔真正将风、水、火、光、木等自然元素运用到了极致。片头以催眠治口吃也是绝妙段落，还有缺席的父亲形象、印厂镜头和翻达芬奇书。而最厉害的一点则是，尽管全片都是非常私人化的意识流影像，却能让不同时代不同国族的人产生深深共鸣、激荡起情感涟漪，因为它所讲述的是“深切而永恒的人类情感”，以及至爱与愧疚。
      • 导演不是导演，电影不是电影，是意识流的海市蜃楼，是灵魂跳出躯壳的一场梦，是最最飘逸的诗集。塔可夫斯基像行吟诗人般翻阅自己的记忆，这种沉浸态度真让人着迷。
      • 诗性往往是表达未经言明的状态，所指越含糊、复杂、抽象，能指就越丰富、开阔、无定。已知意义的镜头语言就是死亡的非诗性语言。关于童年，关于母亲，我们无法在塔可夫斯基的镜子里简单的找到幸福、慈爱、坚毅、牺牲、善良、含辛茹苦等等对应的公度和通约的预设意义，它的表达在寻常理解之外。而这些提炼过的、很不日常的、无指向性的对话、情绪和画面，恰恰塑造了电影的诗性。
      • 電影中老塔的自傳元素並不能輕易地被按圖索驥。相反，這些自傳元素在疊加，交錯等穿越手法中，宛如鏡子的碎片一樣，需要觀眾去拼湊。另外，蘇俄前衛派Edward Artemiev的音樂跟電影中風起林響的場面結合得太完美了。PS：電影里有個穿幫鏡頭，難道老塔沒注意到？
      • 看了等于没看
      • 时隔385天再次走进纽约的电影院，找影厅找了七分钟甚至迟了到，仅仅一年多的时间，去影院看电影好像就变成了一种需要重新捡起的习惯。我坐在最后一排正中，四周的椅子被封印起来，没有谁的头肩遮挡我的视线，在黑暗中所有人与所有人保持距离，但在这个和陌生人共享的时刻，我却又感到熟悉的独处的快乐，以及久违的与虚空的亲近。特意选了一部非常电影的电影来标记这次重生——影院在我生活里的重生，必须伴随着林间有风、屋内有火、雨里有人、墙上有镜、影中有诗、梦外有梦。散场后边走边听巴赫的管风琴作品，片中的 BWV 614 配合阴云压境，我感到神圣、感到自己的生活在一个音符一个音符地回归，感到以往作祟的怀旧之情此刻都被证明不只是因为软弱。
      • 如果用一个词形容这部电影，那就是诗意。老塔把父亲的诗转化成了影像诗，其实和「索拉里斯」讲了一样的主题，时间与记忆是人类永恒的命门，在人生有限的时间里，人类还要做很多错事。可回首一生，与自己生命相交的一切组成了一生的记忆，这记忆无论清晰或者模糊，终究如同镜子中的一切，可望不可即。所以可以笑着流眼泪，所谓悲欣交集。
      • 又看了一遍。伯格曼所言“宛若奇迹”，通片均是此感。依然只能仰望的作品。看到第三遍，终于明白了大概，忏悔的基调，伟大如斯！
    • 豆瓣 8.7 IMDB 8 HD
      Иваново детство
      1962
      剧情片
      俄罗斯

      伊万的童年

       Иваново детство
      • 豆瓣网友的评价
      • 战争本就是不属于儿童的事情，可是在我们国家缺少了悲悯与思考，变成了《鸡毛信》《小兵张嘎》般的荷尔蒙增多的慷慨激昂的斗鬼大戏，从反战片成为了宣传片。
      • 电影里最美的镜头，都出自那个时代的苏联导演之手。
      • 炉子和烟囱永远不会被烧毁。摇曳的白桦树林很美。不是侦察员时候的伊万童年很美，伊万的妈妈很美（2006）。银幕上的人们在爱着他们的爱人、战友，恨着他们的敌人，做着他们神圣的事业，一切就那样发生了。如此质朴的电影。（2013）
      • 我不喜欢伊万这个充满仇恨的少年形象，但他的梦境却让他还原为一个单纯的孩子，立体的人。客观与主观镜头间的跳跃转换极有回味。场景间的切换手法近乎舞台剧，意念抒发为主，情节行进为辅。视觉效果极突出，诗的语言，诗的影像。
      • 【上影节胶片版】老塔处女作,威尼斯金狮奖。1.以美好的梦境或臆想反衬战争的扭曲与残酷。2.风格尚未成熟,但已初具雏形:长镜,白桦,猝然之雨,滴水声,苹果,马,丢勒[四骑士]版画同[飞向太空]。3.以甩镜与高反差布光呈现地下室梦魇,结尾奔向水上致敬[四百击]。4.行刑主观运动空镜头同[夺魂索]。（9.0/10）
      • 1962，导演：塔尔柯夫斯基，30岁。 1962年，塔科夫斯基拍摄了他的第一部长片处女作《伊万的童年》，这是一部从写实到抒情完美过渡的作品，标志着当代电影一位伟大形式主义者的到来，题材属于当时正统的苏联电影。这类故事在当时的苏联文艺作品中毫无新意，但导演给禁区、森林等意象赋予了华丽而写意的
      • 虽然没有导演之后电影的风格化强，后面的电影也有点欣赏不了，但这部却是却亦是易懂和真挚的。诗意风格和意境已有雏形，构图的精巧和景物的运用已经颇有风采。在战争的暗流下，伊万是涌出的时代悲剧。在战争破壁残垣和残酷冷漠的映衬下，童梦的美好显得格外珍贵，梦醒之后便是深深的绝望。全片穿插着伊万的数个梦境，开头和结尾的两个梦境算是前后呼应，以美好开始，也以美好结束，些也是我最为之动容的地方，得到母亲的爱抚，与姐姐玩耍，那是作为孩子的本该做的事，却被一场战争的卷入所打破，少年早已悲愤，敏感和无奈。最深刻的两场梦，散落一地的果子和沙滩上的马，和姐姐一起在沙滩追逐打闹。他对母亲的眷念和依赖，哭了！哎！
      • 这是人28岁拍的 而我连个论文都不会写 哭天抢地 5555555
      • 影片最碍眼的缺陷在我看来是伊万的性格刻划，太过于成熟冷静甚至可怕了，不符合他这个年龄的气质，或者，至少应该露出一些破绽才更真实，总觉得形象有些单薄。
      • 仇恨使人盲目的勇敢、盲目的强大。
      • 根据鲍哥莫洛夫的小说改编。小说采用了哈尔采夫的第一人称，是平铺直叙的。而塔尔可夫斯基决定在片中加上伊凡的梦。他要让伊凡在银幕上生活在两组镜头中：一组是现实世界，在这里他是一名侦察员，执行着战斗任务；而另一组那便是他的梦幻与回忆的世界。00:02:41，梦中的妈妈。00:13:28，树叶与果实组成的细节。00:17:03，现实与梦境的连接处，水元素的使用。00:18:31，老塔对梦的呈现犀利而完整。00:26:13，风吹木门。00:32:01，空镜打隔断。00:45:22，镜子、灯位、装置。00:57:01，手电筒、鱼眼镜头、音效。01:00:36，整个调度围绕着镜子展开。01:03:21，沿着桌子的斜线由单人中景拉出三人小全。01:07:32，负片，满地的苹果。01:31:45，空镜加拟声。
      • “亲爱的玛莎，不要渡过那条河。”摇镜直上的第一个镜头，恰好与《牺牲》的最后一镜形成闭环。过于甜美的梦境存在，逾越了强烈反战意图的小英雄存在。如果不是受益于赫鲁晓夫短暂的解冻时期，塔可夫斯基或许会走别的路，或者，没有路可走。
      • 影片给人的整体感觉是湿润的，像饱蘸雨水的湿衣服，穿在身上不怎么舒服，暗示了战争带给人民的苦难和艰辛。
      • 天朝哪天能拍出如此人性化的儿童战争电影，就是一个进步，而不是像现在这样整天整那些个弱智的儿戏。——伯格曼高赞安德烈说：“他创造了崭新的、忠实于电影本性的语言，捕捉生命如同镜像、如同梦境。”在我看来这是过高的赞誉，《伊万的童年》里好些镜头语言现代电影很少会用，两白桦林主观并不真实。
      • 幻想梦境和现实场景以不同的手法展示了同等的力量，对空间和声音的利用令人赞叹，塔可夫斯基对片段的雕琢在处女作里就几近登峰造极，但整体还是有断层感。
      • 8/10。心理的复杂性和自然场景的丰富性相吻合，结构的跳跃拓宽了表现手法：中校在纳粹的牢房发现绞刑架，镜头仰俯倾斜从绞刑架上滚下的伊万推至眼睛特写，紧接伊万在阳光普照的河滩狂奔镜头平稳流畅，梦的自由与战争的恐怖还体现在伊万拿着手电筒在地下室展开虚拟的战斗，戏里模糊混杂的哭喊、写满复仇的墙壁字体和乱摇钟绳，战争的心理压抑只能靠回忆欢乐时光得到释放；水的要素（滴水声转场，母亲撒手的水桶洒出，沼泽水面反射白桦林的描写），破坏美好的景物（风车挺立犹如十字架，结尾占满镜头的枯木），许多研究者认为水象征生命，但老塔无意把自然元素当作符号而是构成梦境的基本材料，像伊万和女孩坐着满载苹果的卡车上负片效果的灰色树林暗示幸福毁灭；上尉询问伊万的长镜头通过人物位置的画面平衡、泡澡露背的伤疤，视觉化伊万超越年龄的刚毅。
      • “我以前从来不说梦话，现在不知道了，我变得神经过敏。” 闷得难受，完全看不下去…
      • 本片荣获1962年旧金山国际电影节最佳导演奖和1962年威尼斯电影节金狮奖
      • 不太喜欢战争片，但是真的是拍的很好的老电影
      • 8.0 差点看哭，伊万在深井一般的黑暗中睡着，梦中的伊万和母亲在井口的光亮处看自己。通篇老塔都在强调战争与自然（以梦为载体）的对立，但在这些超现实场景中，梦境则是现实空间的拓宽，两者在同一维中只隔着一个水面的距离。
    • 豆瓣 8.8 IMDB 7.8 HD
      Τριλογία 1: Το Λιβάδι που δακρύζει
      2004
      剧情片
      希腊

      哭泣的草原

       Τριλογία 1: Το Λιβάδι που δακρύζει
      • 豆瓣网友的评价
      • 这片土地上的人们总是在流亡，然后死亡；这条河的源头没有风光，只有泪光。
      • C＋ / 前2/3观感很好，史诗故事配合颇为古典肃穆的视听至少圆熟且有效。音乐与剪辑保持了连贯的气息，尤其是几处视觉上的物态幻化：声音-人-海鸥-白布。人物的状态也在迟滞中保留了几分灵动。但是第三部分时序跳跃逐渐频繁之后，影片落入了一种近似历史挂图的窠臼里。人物既无法与观众拉近距离，也无法挣脱一种类似机械反应的情感触发模式的束缚。还是觉得在表述历史创痛时安哲的手法局限很明显。
      • 充斥着虚假的漂亮画面，叙事手法浮夸，矫揉造作，令人讨厌的假呻吟片子
      • 数次和《撒旦探戈》的影像恍惚重叠，但远没有那种酒神式的狂欢与洒脱，徒剩下沉郁顿挫的嗟叹，这部安哲给我的感觉像希腊的杜甫……（Ps：应当有一种蓝色被命名为「安哲蓝」）
      • 看得老子沉重和诗意了一个晚上
      • 这部电影中段，丈夫坐轮船去了美国，妻子在海边送别。她说：我还没有织好这件毛衣，然后他牵着其中的一根线，慢慢渡远了。一件未完成的毛衣，变成一根长长的红线，最后断在风中。场景极为凄美而震撼。
      • 可分上下两集。上集到斯派洛去世，一部杀父娶母生孩子的俄狄浦斯故事；下部则是希腊现代史。场内音乐（安哲与卡兰德罗恰如莱昂内与莫里康内），史诗体的叙事。旁白极富诗意。
      • 一团烟雾升起，心爱的城市毁于一旦。昨晚，我梦见我们一起去寻找河流的源头。
      • 每次烂片看多了 就会选一部安哲来看 清洗大脑硬盘
      • 大师，您实在太苦了，还是安息在20世纪吧。
      • 在资料馆又看了一遍，安哲的慢以及拖的观感不是令人厌恶的刻意而为的无叙事力的空境感，电影里任何一刻的停顿都是极其自然流动的，这种观感大概也只有欧洲人才能拍好。另外电影里的手风琴乐实在是太好听了 20170916
      • "…梦见你弯下身来，伸手触碰这片湿漉草地。当你抬起手时，几颗露珠…竟如泪光般地落下…"。仍怜故乡水，万里送行舟，最后的栖息，被泪水淹没，电影里没有流出来的血…
      • 几年后在资料馆重看，凌晨两点到家又自己补完提前退场的半个小时。真是好，送行的船队、树上的羊、红色毛线，太喜欢。城市在身后飘零，我们牵手去看河流的源头。
      • 10开始的《哭泣的草原》12点40才结束。字幕亮起, 左边的女生在抹眼泪。看电影也不能改变什么, 你我都还是俗人。乌泱泱的人群涌出影院，无非是解决屎尿和食物。南京路上车水马龙，真实的人间一口把人吞噬。
      • 1.影片恍若对安哲前中期创作的一次漫长回溯，1919-1949，[36年岁月]中的抓捕、刺杀与飞撒的传单，[流浪艺人]中的巡回演出，[猎人]的变节者与打断舞会（亦是安哲作品中典型设置，一切演出或舞会都将因外力中止），[亚历山大大帝]的羊群屠戮-本片改为倒吊在大树上的绵羊，[塞瑟岛之旅]重归故土后遭遇的排斥。2.废弃的歌剧院，座椅上覆盖着各色布匹与杂物，二三层观众席则披设上白色的帐篷，仿佛映射着物质与精神的关系，亦似流浪艺人的倒置。3.海天相接的后景，无数白色的床单飘挂于系在小木棍上的晾衣绳上，被枪声中断的演奏与染上的血手印。4.洪水淹没的村庄，黑色的船队，分别时一截截拉长的红毛线。5.书信旁白字如泣血，单镜头中在现实/现在与想象/过去时空中切换（哭喊的母亲-分属敌对阵营的兄弟相遇），变焦前推镜的母亲嚎叫特写收尾。（9.0/10）
      • 1.手风琴再叙悲伤，整片草原跟着哭泣；2.只言片语也能令我的泪腺分崩离析，一封信便令人看见了断壁残垣烽火连天和横尸遍野的境况中隐忍着爱与思念；3.无情战争、颠沛流离，最后撕心裂肺的哭喊是绝望而空洞的虚无。
      • 12th BJIFF No.10@天幕新彩云。三星半。跟《流浪艺人》连看。作为安哲晚期作品，语言与《流浪艺人》时期其实并无变化。只是不同于早期作品更加侧重历史书写，希腊三部曲试图落到作为个体的人在历史洪流裹挟中的离合悲欢。然而这对安哲而言不啻舍长就短：三个小时的时长大半时间都在低效地交代主角的私奔故事，到最后几十分钟节奏陡然加快，忽然就将主角抛入时代风浪。两个主角如希腊雕塑，美则美矣，却没有人间活气，看不到性情与心灵。作为观众实在很难对他们的别离与恸哭动情。画面极其唯美，如树上悬着的群羊、满江悼亡的黑帆（复刻《猎人》场景）、小舟送别的红线，许多场景或许是为构图设计了剧情，形式感过重，未免本末倒置。
      • 希望有一天能看到4k修復版
      • 爱人在红线的另一头，飘散在风里。安哲电影中美丽、震撼、摄人心魄的画面，加上调度极富有想象力的长镜头，总让人忘记提及故事的历史政治背景，和那些被孤独、离别折磨的时代洪流中的人物（尽管镜头更多时候只是远远地看着他们）。其实这些不用言语表达的感情，真是极其有力和震撼的...
      • 我真是有毛病，明明已经看了安哲两部极其无聊极其苦大仇深的片子，还看一部，作死。
    • 豆瓣 8.7 IMDB 7.8 CD03集
      Ο Θίασος
      1975
      战争片
      欧美

      流浪艺人

       Ο Θίασος
      • 豆瓣网友的评价
      • 动荡的历史，冷静地叙述；手风琴的悠扬带着思绪四处纷飞，遥望着安哲镜头下的画面；长镜头接踵而来，剧情散而凌乱，每一年的每一天。多个片段是如此的安静如诗，诗意而美。
      • 我承认他的片子看多了就不震撼了 这片我看了两星期
      • 转街过巷就如滑过浪潮。他们缓缓走着.历史逐一呈现.怎么也演不完的舞台剧.历史是打断演出的背景.终于有次演完.英军甚至与演员交换帽子交换场地那英人却死在历史枪下.一次演出期间两名演员被枪杀.观众掌声不断.台上一片死寂.有一幕演员成了观众.街道倒成了对战双方的舞台.这片子让我脉搏和心脏都阵痛.
      • 安哲罗普洛斯成名作,大概也是最晦涩难懂的作品。片长考验耐性不说,人物庞杂又全是远景中景,加上随意穿越的诗意叙事,看得昏昏欲睡,相当自虐。故事借用古希腊悲剧,讲述希腊现代战乱与独裁血泪史。形式上:长镜头上承杨索和德莱叶,对画外空间的利用启自安东尼奥尼,单镜头内变换时间借鉴沟口健二（8.0/10）
      • 【A－】看完本片后，严重怀疑贾科长的《站台》就是对这部《流浪艺人》的本土化翻拍。动荡的历史浪潮，四处流浪的舞台演员\文工团，随着时代浮沉的个人命运，以及一脉相承的“重位移，轻剪辑”的拍摄手法。但最大的不同在于《流浪艺人》是以环境作人物，而《站台》是以人物作环境。换句话说，本片几乎没有任何基于人物的心理认同感（大量省略与留白，几乎没有特写镜头和心理描写），观众始终与人物隔着一道名为“导演”的壁垒。真正重要的是安哲的空间调度意识，在220分钟里的一百多个长镜头中，安哲几乎尝试了所有影像空间的承载与展现手法，由内而外的扩散，由外向内压缩。23年的时光，开头与结尾，已经不再是同一批剧团，但却同样面对着不可捉摸的未来。
      • 嘆為觀止。貝托魯奇和托納多雷這倆義大利人都曾試圖建構一場發生在街道的歷史，為此，《末代皇帝》借了一座禁城、《新天堂樂園》搭了一座影院。安折普洛斯這個希臘神傑，卻僅僅靠著最單純的行走與駐留，就將《流浪藝人》的史詩感延續了整整三個半小時。
      • 时空在长镜头的推移和旋转中无缝拼接，现在看起来还是那么有想象力（多用几次又怎样！）。用戏班子跌宕的命运写希腊的历史，不知道还有谁能拍成这样了。我是太久没看安哲了吗，完全看呆了...
      • 你方唱罢我登场，历史是一出戏剧。舞台感强了些，不太浑然。
      • 人物关系错综复杂，时间跨度长且各种跳跃切换，脸盲患者的噩梦。 安老师也是一辈子拍一部片的人呐，流浪剧团可以直接和《雾中风景》里的剧团无缝对接，大海，孩子，婚礼，手风琴，从景深处向镜头走来的人，惯用的元素一个没少。 巧妙的把流浪剧团的表演变成了希腊历史的盆景，形成了“剧中之剧”。《牧羊少女柯利弗》多次表演却多次被历史事件所中断，摄影机绝不拍台下观众，因为我们就是希腊历史的观众。 三段演员直视镜头的表述让人想起《阿玛柯德》，首尾呼应的“剧团在火车站”暗示历史的再出发，虽然剧团已经物是人非。 “鹰的影子让我害怕，它们看起来很像人。”
      • 3小时42分钟，花一下午分两次看完。感觉经常有唐突、没必要的桥段也不少，当然，漂亮的镜头少不了。跟《时间的灰烬》一样，感觉导演想说的太多，涵盖多了难免顾此失彼。我其实想看精简版，哎。
      • 近四小时的片子只有130个镜头，除了一个最短的5秒镜头外都是20秒-9分钟的长镜头！啧啧。人物多时间乱背景杂，第一遍太难看懂！读了网友整理的分镜头脚本才大概明白。很多场景采用在同一空间内时间穿梭的形式来叙事，调度和拍摄很厉害，尤其是广场集会一场720°长镜头戏简直是神来之笔。亚克森伯雷！
      • 一纸对政治的控书，一抹对历史的苦笑。大写的人被淹没在以时间为凶器的小写的历史中，轮回之中的人既渴望此刻能无限延宕，又希冀终点总会到来。其实又都清楚，生活的内容本身就是苦难。回叙搭配超长镜头很是费神。
      • 7.1；史料彙編
      • 杰作。最喜欢的几场戏：海边为英军表演；酒馆内对峙；碧海、蓝天、白云，沙滩上的婚礼；还有最后几场都很喜欢。
      • 女人拍拍衣服，站起身叙述，语调异乎平静却比强行逼供的场面更为暴力。看完整部影片需要勇气，安哲不会在高潮部分弄个配乐以作提醒并达至感情升华，因为本没有高潮，故事本身就是单一辐射群像。
      • 挚爱的两幕：①海边那一场演出，没有帷幕，涌动的海水是他们的伴奏，英国士兵坐在一旁观看；及至枪声响起人群四散，唯有中枪的士兵倒在扯开的幕布前。②婚礼段落，独自郁闷着的新娘的儿子拉走了餐桌布，盘子与食物散落一地。他拖着白色的桌布在海边行走的画面孤独而奇妙。
      • 传说中的88个长镜头，，元气大伤中—＿—／／
      • 对于画外空间的征用、对画内画外声源的使用充满惊人之处，每一个镜头都仿佛是和观众的一个游戏。镜头内蒙太奇长镜头，但部分也和景深式长镜头有所结合。标记出时间却在其中跳跃，而我们看着这群人越来越少，一种不独属于历史政治也属于时间的伤感蕴于其中，但同时也能看到延绵。
      • 近4小时却只有80多个镜头...功力。除了首尾回环式呼应之外，编年体时间顺序。穿插三段独白，四次《牧羊女高尔夫》被打断，四次性场面。里面出现了安哲的杀手锏——“单频闪回”：将过去和现在两个时间点用一个不间断的镜头连接辩证地呈现历史，抚平流动的时间，直接跳过中间的过渡时间
      • 相对参与者，电影的视角更像一个历史的观察者，讲述了希腊39年到52年的动荡历史。

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