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    豆瓣 7.8

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    隔壁房间 The Room Next Door (2024)

    最近更新: 2025-01-17 正片

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    　　英格丽（朱丽安·摩尔 Julianne Moore 饰）和玛莎（蒂尔达·斯文顿 Tilda Swinton 饰）年轻时是好朋友，她们曾在同一家杂志社工作。后来英格丽成为了一名小说家，而玛莎成为了一名战地记者，她们渐行渐远。失联多年后，她们重新开始了联系。

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    • 豆瓣 7.8 IMDB 7.1 正片
      夜明けのすべて
      2024
      剧情片
      日本

      黎明的一切

       夜明けのすべて
      • 豆瓣网友的评价
      • 失调的身体不匹配失调的感知，是不是有点凭空疗愈？PMS只配备几个发飙动作，以及“pms不比panic更低级”的正义发言，也恐怕写不出女性心声吧。
      • 无法踏上社会正轨的电车，只能徒劳在家蹬健身车。不能正常表达出自己的痛苦，只能买来点心用于补偿。无论一天是多快乐还是多悲伤，都会结束。因为夜晚，我们才能看到另一个世界。你的头发和惊恐被我剪短，我的星空和低落被你点亮。我们像生活在夜晚的动物害怕太阳，却在满天繁星中找到了属于彼此的光。
      • 仍然是好于平均日影的电影，但在三宅的作品序列里只能往后稍稍。不知道是否原作的问题，片中的宇宙论非常肤浅无聊且与疾病和照护的主题无法形成有意思的呼应。从剧作上来看，人物关系趋于缓和的后半部分明显失速，几段念白/独白更显局促，甚至透露出一丝迂腐的气息。在表演上，三宅对两位主演的调教其实还不错，均达到了相对舒服的状态，松村的“饮”和上白石的“食”是贯穿全片的亮点。此外，对东京职场万象若隐若现的刻画内涵尖锐，可惜碍于主题无法深度展开了。
      • 以long long days写the long nights，对小公司的和睦温馨人情刻画，简直有令和好人的意味。而若你喜欢怪人，这一次的三宅唱主人公，不是锁在小城或拳场，而被封印在自己身体里面，瑟缩发抖，他们无法控制病症的发作（即使有服药或接受治疗），很难跟外面的世界，有放松喘息的相处。一些细节依然可爱顽张，如上白石把零食倒着吃光、洗车释压法，还有那个看似没有任何提示交代的互助会。
      • 三宅唱最大的作者性就体现在影像的呼吸感上，有着独属于他的节奏，不是快慢的问题，而是如何从一个动作到另一个动作，从一个情境接另一个情境，流畅、自然，涌动着充盈的时间感。比《惠子，凝视》还是在完整性上差了一块。但看起来依然舒服，犹如吸氧。
      • 你要怎么在孤单的、细碎的日常生活里，注意到世界是广阔的？在他向她讲述自己第一次惊恐发作经历的最后，两个身影走到天桥尽头，走到路灯之下，摄影机在一个更高更远的视角凝望他们，不是作为上帝、而是作为星星的眼睛。于是你在这里，不知道这是一段小巧的小品，还是一部广阔的电影。它选择了不尖锐也不痛。当人物在自己的动线里走着、过普通的日子，能遇到的所有人都是温馨的，只是日常的流动里总藏着隐患，隐患边上有他人的底噪。从荒川到星河，从城市到宇宙，城市也是周遭，宇宙也是周遭；你看最普通的人，都有小小的异样。
      • 3.5 整体延续了上一部身体病症的叙事，起承转合，包括结尾部分作为治愈系主题的意义与价值的输出，都过分工整了。而且通过太空星系和凡俗世界的对比显出超越与救赎的价值，仅仅是通过台词说出来，创作上对于三宅唱而言是偷懒的。
      • 所有的空镜都很舒服。结构太工整了以至于趣味不足。男主相比女主，在叙述上被偏爱了。朋友：三宅唱啊你还是不太清楚PMS到底意味着什么。
      • 还是16mm，还是 Hi'Spec，还是三宅唱最擅长展现的超越定义的轻薄微热的人物关系。无论是本片中刻画的角色和关系，还是本片描绘和应对“疾病”的方式，都让我感到它特别的后疫情：身体的失控（当然还有哀悼等消极的情绪）是种既不存在“战胜”也无法被他人“疗愈”的东西，没有人可以“康复”更无人能够“拯救”，只有在日常中互相伸出一切不太确定的援手。真是一个充斥着诊断和药物的当代！但人依旧需要他人。印象中没看过什么电影这么大篇幅地诚恳地呈现 PMS、呈现女性的经期状态和受经期影响的生活，这点相当惊喜，而且不得不承认作为一个经期症状很轻的女的，我对 PMS 至今也不怎么了解。减一星是因为「黎明前最黑暗」这种比喻实在太俗，甚至和影片呈现的与“疾病”相处的理想方式有些微妙的错位——没有什么白昼，亦无需总是处于怀揣希望的等待状态
      • 片尾字幕还是如《惠子》一样在继续向前的日常中缓缓滚动消失，电影有尽头，而生活没有。越是如此自然轻盈越是显得导演功力非凡。我始终觉得三宅唱的电影非常接近时间本来的质地，像是随上随下的列车，依着自己的步调向前，观众只是乘客，与片中人在黑暗中共度两小时，然后平常地下车，汇入自己生活的洪流（重看//三宅唱太擅长把一个故事里的戏剧化成分转构为平淡温柔了，纵使原作已经足够生活化，天文线的加入堪称完美但也有可能他买不起波西米亚狂想曲版权吧lol
      • 日本的电影观念本身就很降维打击了，对什么东西适合用电影拍的理解，对构图和机位细节的把握，都完全自成一体而且恰如其分，让片中的每一个镜头都不能也无需用好莱坞或欧洲的方式去看待。三宅唱用这样的观念和手法在当代日本直接而细致地看到人和宇宙，是了不起的。他说原作讲的是人无法控制的身内之物，而他自己加入的天文元素是人无法控制的身外之物。果然当一个导演深知人是活在这个世界上，他的心灵和眼光就是会让他的电影真切而明朗，与繁星的节奏交汇。
      • 第一次看三宅唱哭到难以自已，之前几部都是纯从电影性的角度观赏，但这部真的彻底在情感上把我卷进去了。自然流动的人物状态、日常叙事下的心理感受，胶片摄影带来的细腻光影、色彩质感，让人仿佛和角色同呼吸、感受周遭的一切。最后时隔20年翻找出的录音带，美纱在移动天文馆里静谧而又笃定地表达个体感受性的存在，瞬间令人爆哭。还很喜欢山添的前任上司得知他总算适应新公司后的默默哭泣，把人与人之间的真心用简单的方式传达出来。看这部电影，就像是被巨大的温柔感包裹住，一切难熬的过往，都是阶段性的漫长黑夜，终究能等到黎明来到的那一刻。接着再是黑夜，再是黎明，人生就是这样的循环往复，像自然规律一样。我们终究要与黑夜和解，适应创伤的存在，让它们成为自己的一部分。｜北影节
      • 多么舒服的一部电影啊。三宅唱延续了《惠子，凝视》对于缺陷人群的关注，只不过这次从身体的缺陷变成了心理的缺陷，但依然是娓娓道来的风格，塑造了一对独特的非浪漫关系的男女角色（这点本身就已经相当难得），最终与天地宇宙相联，人文关怀尽显
      • 新的日本电影，对中国观众来说，要耐下性子才能看得进去，日本人的那种礼貌、内向、敏感、谦和的性格，真是和我们隔着很长的距离！读读豆瓣上记载的两篇导演映后采访，可更多地了解许多信息。可看。
      • 14th BJIFF 02@五棵松。注意那些黑夜与白昼意象并置的小设计：如社长翻出他跟去世的弟弟夜里黑魆魆的搞怪合照，和弟弟灵位旁两兄弟白天的合影摆在一处；如同事们一起做广播操，全员着灰白工服，而为恐慌症所困的山添独自穿黑蓝外套（影片结尾处他换上了工装）；如山添骑单车给藤泽送手机，在她家楼前的坂道，藤泽留给他的单车在阳光下折射金色光芒，而后景路旁一辆废弃的单车掩埋在藤蔓植物里。人有生就注定会死，日与夜在不停轮转；身内与身外，失控与安稳，抬头时也要注意脚下，从生活细碎中发见星河辽远，三宅唱于最脆弱、平淡处立起镜头，为我们反射了另一面的坚固和恒久。
      • 没必要拍这么长。
      • 问题重重的日影范例。惊恐症男主倒是让我很有共鸣。我十年前常犯惊恐症，那时候和朋友相聚，看起来心不在焉的时刻，基本都在犯惊恐症，但我会忍着，让自己像个正常人，特别辛苦。
      • 光线被打散后，夜晚变得沉静，努力将说话的声量和语速控制得像雨点缓慢地坠向地面，没有急躁。可以一路交谈，一路同行。黎明之后又能见到柔和的、绽放的、暗淡的光。
      • #10286. 74th Berlinale-论坛。片名可以再斟酌下比如《直到长夜尽头》等等。有着后311/后疫情两解的“病友片”（是的其实就是个更高级一点的《小红花》）。除了两大主角其实片中许多人各有各的伤痛，只是需要在尊重的基础上尝试共情（但想要理解又是绝对不可能的）。片里的社会是真团结友爱与美好啊，就当是导演的《礼运大同篇》吧……延续了前作16mm摄影，叙事和剪辑上多使用”信息后置“的方法（此前没有这么大范围地用），还真是挺有味道的。另外居然还玩了个（简直滨口附体的）幽灵录音带……
      • @ Broadway Cinematheque｜7+，疾病主题但各种病出现的密度太高了点hhhh恐慌发作和性格讨人厌是两回事，别拿生病当借口啊男主角。我以为自己PMS已经挺重，女主这个比我还重……不过就算情绪再差，真的会这么控制不住自己吗？存疑……胶片漂亮死了……天台镜头拍到画面边缘城市天际线的楼，就是六七十年代日影里常见的色彩……温暖又熟悉
    • 豆瓣 7.2 IMDB 6.9 正片
      The Outrun
      2024
      剧情片
      德国/英国

      逃脱

       The Outrun
      • 豆瓣网友的评价
      • SFF 此片为 索尼音乐广告片 bd婚恋劝退宣传片 成瘾行为溯源片 还有英国海岸风光片。大自然是最好的疗愈师没错了，东亚人和白人互相理解不了对方的悲伤。
      • 希望所有文艺逼逼逼的电影能控制在90分钟之内 尤其是苏格兰这种地方拍的 看完抑郁的我直接选择去太阳下暴晒仨小时
      • 每次挣扎，几近崩溃的瞬间，我在影院的座椅上不寒而栗，只想吃些甜的。不抽烟，不喝酒，我讨厌依靠糖分逃避痛苦的自己，变本加厉。但仿佛只有这样，我们真的可以控制风暴，弹奏海浪。罗南女士的情感太强大了，好喜欢她的笑声，她的表演就是她的宇宙。
      • Beautiful. I get it. “In grandiose moments, I study my personal geology. My body is a continent. Forces are at work in the night. When I blink the sun flickers, my breath pushes the clouds across the sky and the waves roll into the shore in time with my beating heart. Lightning strikes every time I sneeze, and when I orgasm, there’s an earthquake.”
      • 把对抗酒精的过程散文诗化，个体的戒酒就像岛屿迎接一波又一波的巨浪。剪辑其实还可以再精简些，结尾的交响乐大加分。罗南妹子好适合演内心敏感的叛逆女孩啊，破碎感不多不少。
      • 一开始觉得是非常white的 problem，但看到后面还是同情女主的，遗传性的成瘾和精神问题确实很难摆脱。野保部分拍的挺好的，所以给4分，一些生物人的情怀。
      • 是看過就會忘記的那種電影，反倒更共情那些被她傷害的人。咱可以不要再拍白人加害者的故事了嗎。海豹挺可愛的。
      • 首先，罗南特别可爱！！！！！点烟之后那个"got it"特别可爱！！！刚开始很吸引我，酒鬼受困酒瘾努力戒酒的节奏逐渐让我失去兴趣。。。后来到what did i do last night那里我的烦躁一度达到顶峰。试图通过发色和指甲油颜色梳理一下时间，后来放弃了。最出色亮点就是结尾，看得我真的很想哭。。。片尾演职员表（？）出完那两声鸟叫全场爆笑+鼓掌，还是挺有意思的hh导演的QA我觉得也很好，喜欢她。。。个人觉得总体来说算本届可看的，推荐。。
      • #Berlinale24# 一句话就能概括的剧情，但镜头下的奥克尼群岛真实地美到不可方物，就算作为旅游观光片来看也是五星水准，大自然是本片最好的演员。从Hackney到苏格兰海岸的这条路有着太多太多的私人连接，两地的脉搏被精准地把握，西尔莎罗南的状态也是完美的（除了洋泾浜苏格兰口音）。但我真的会担心这个角色读了PhD之后重新变成alcoholic哈哈哈…
      • #SFF DAY5 罗南有一种大地之母的气质，她仿佛真的就是地球的脉搏，操控着天气，指挥着风暴，把海浪当作她协奏曲的旋律。她的高潮是火山的爆发。是不是现实的痛苦，童年的阴影，心理的疾病都可以靠酒精来麻痹。在烂醉迷离的时刻是她真正获得快乐的时刻。所以她去rehab，后又染上酒精反反复复，没有途径可以逃脱现实带来的痛苦，最后她逃离了城市，回归了简单，去到了与自然相依的地方。aka年度戒酒保护海洋地球大片！超爱结尾部分的海洋协奏曲，是完全把自己融为自然一部分的表演感染力！罗南年度演技大赏！ 4.5/5
      • 画面漂亮是漂亮，但是能不能把剧本捋顺了再拍。讲一点剧情就来无节制的配乐加漂亮画面抒情，看的人好累。没有剧情支撑，本来结尾能把情感烘托起来的交响乐也跟空中楼阁一样摇摇欲坠。
      • 最佳结尾，罗南伸出双手指挥着海浪，潮起、潮落、汹涌、平静，寄蜉蝣于天地，渺沧海之一粟！Fuck the alcohol dependence！
      • 開頭結尾都很好，但是中間真的太散了，失業生物碩士（扎心了）酗酒戒酒酗酒戒酒參加aa有個躁鬱症爸爸有個很虔誠的媽媽和前男友認識泡酒吧吵架分手在農場工作參加拯救鳥類行動和海豹一起冬泳想去讀博士研究海草… 散文可能looks good on paper，但碎得沒撐起來，一度不知道它想講什麼，最後還是串起來了，是有閃光點的。兩個小時看不同髮色的羅南也算值回票價了，再提個奧斯卡吧。羅南髮色可以用來區分時間（沒有搞的很好），也屬於這部片子顏色調度的一部分，蘇格蘭陰沉沉的天氣能拍這種效果真不錯，導演不如把自然/神話的部分多加點。最後發現製片人是羅南和老鄧誒
      • 有点泰伦斯马力克，比国产说抑郁症、躁郁症、双相情感障碍的片子好一些些，使用了环境和岛屿，我们在自然中的，远的，进的，模糊的，有力的呼应和感召，最后在大自然中被冲击、被抚慰、被抹平一些感受。但是这一切肯定治标不治本，从家庭中得到的伤害，不负责任孤独痛苦的父亲，躲避扭曲伤痕累累的母亲，她早已把这些伤害内化了，最痛苦的不是关系里的冷热暴力，而是孩子会内化所有来自父母的轻视和打压，贬低和故意伤害。就算长大以后拥有了亲密关系，也很容易模仿这些，就算十分幸运，遇到了温暖的伴侣，她也会产生焦灼，无法在不熟悉的温柔之中平静，会焦灼，会疑问，会不明白如果关系真的是这么温暖的，那以前她和父母的关系算什么，反而痛苦。最后常会选择沉迷酒精或者短暂出轨麻痹自己，直至破坏掉当前关系。所以，就着父母给的本能，根本无法逃脱
      • 我大哭大喊我要旋转跳跃我要发疯跳舞我要去看海看鸟鸟看海豹🦭
      • 罗南的灵气独一份且无可替代，特写镜头下表演的层次感呼之欲出，尽显高级。但片子整体就很失衡，风景好美，大银幕质感很足，还是得在电影院看才有那种身临其境的感觉。
      • 但是某种程度上《逃脱》里酒精成瘾的痛苦很真实：酒精成为情绪的放大器，依靠酒精我们可以逃避原生叙事，逃避那些无法解决的问题，逃避时间空间甚至事实。但同样那也可以把他人越推越远。故事线并不清晰，如同变换的发色，也如同酒后飘忽的思绪。故事的最后，自然并不是真正疗愈的方式，而是……另一种成瘾替代了酒精。
      • 为罗南而来，结果是好痛的一部电影啊。喜欢这样的人物故事，不需要大道理，就是一个人的日拱一卒，退也罢，进也好，都是生活。酒瘾反复，伤己伤人，她这么聪明怎么能不知道呢，可童年的阴影让她无法逃离。无法掌控的自我，不相信自己能成为快乐的戒瘾者，却最终在对大自然的热爱与专注中，一点点地坚持了下来，甚至可以“指挥”海浪交响乐，这种成长让人为之感动。片子的剪辑很有趣，我以为可以根据她的指甲和发色排出剧情时间线，但我错了，这故意错款的剪辑，为的就是对应反反复复的酒瘾和因此而错乱的记忆。还有镜头的运动和特效，以及音乐都将酒瘾发作和之后的痛苦表达得淋漓尽致，再配上罗南的表演，堪称完美。
      • 人类好脆弱啊，都不说毒品了，大部分人应对压力糖油烟酒，哪一个多了都是毁灭性的… 这妈也好可怜，双向的丈夫酗酒的女儿，信个教还会被女儿发酒疯伤害。喜欢用发色来辨认时间线！喜欢小海狮们游泳！喜欢最后成为自己的指挥家！爱尔兰好美哦，罗南的歌单有没有，想要！
      • 12.2 剪辑的有些乱，可以说看发色可以推断时间，也算是一种巧思，但是终究是有点乱。你说裸罗南是个受到高等教育的酒鬼，不知道为什么，就是很有说服力，很神。rona 的妈有个bipolar的老公，一个酒鬼女儿，不信教，我确实不知道她能怎么办。她在岛上的生活，，我也想去体验一个月，不过是在夏天。。。
    • 豆瓣 7.5 IMDB 7.0 正片
      수유천
      2024
      剧情片
      韩国

      在溪边

       수유천
      • 豆瓣网友的评价
      • 又一封写给金敏喜的妙笔情书。这部和“之后”有异曲同工之音。洪塑造金敏喜人物弧光的方式是将她隔绝在所有闭环关系之外：她不是戏剧社团排演的参与者，却是权大叔爱情关系建立的电灯泡（后二者阁楼观月她却在楼下洗碗），目睹学生情侣的闪电求婚，却又从酒桌上的泪流抒怀中缺席，最后连喝口爽心酒的权利也失去了。她悄然促成这一切却又在表面上是所有一切的配角。但神奇的是影片结束后萦绕在观者脑海里的却还是她，她被塑造的“纯粹”而轻盈的局外人角色把她顶上了主角的位置，哪怕是那些她全部缺席的场景，光环还是她的。犹如开场溪边的孤独的写生和结尾身披红围巾的特写定格。最后，叔叔和侄女之间的不可能才暗扣了洪导的内心纠葛。所有这些，都堪称福柯论述话语的域外化思维（Pensee du dehors）的最佳电影注脚之一。
      • 力挺洪常秀的电影，是因为它代表了我心中喜欢的一种电影的未来，可以摆脱“巨大的团队”、“资本”、“技术”甚至“审查”的限制，使创作获得如溪流般轻盈的身段。国内影人的无力与拧巴背后，更多不是创作的冲动而是欲望的沟壑，祝福他们像Jeonim一样拥有溪流的力量。
      • 啤酒总是第一杯好喝，人总是第一面有趣。令人生倦的是，杯空了又续，人散后还聚，即便明知所有故事的结尾都是意兴阑珊，人们还是为了小小的喜悦筹划相聚，承认矛盾，是为人。
      • 这一部里金敏喜没在任何一段关系中。她是身边几段关系的旁观者。因此让人与人谈话中的某种虚伪感变得更加明显。
      • #10651. 2024洛迦诺最佳表演（并列-金珉禧）。我这个洪粉也只能给到7分，当然还是比《旅行者的需求》好一点……六边形洪常秀又一部，金珉禧含量很足！好久没有看到她这么层次丰富的自然表演了（而且这个片长！之前洪片都80多分钟……）。剧作有一丢丢回到中期洪常秀很像侯麦的玩法（某种程度上其实也是反写《我们善熙》），但基本还是在舒适区（居然还能找到角度来cue自己的人生故事，我的天！）。摄影……反正拍了不打光的夜景！很有突破！可以硬吹！最触动我的是——权海骁对金珉禧说“你现在多大了？40多了吧”！
      • #77届洛迦诺首映 “喜欢一个人有错吗” 吃吃好吃的喝喝酒聊聊天的一部电影
      • 8.8 在月夜与台阶、抽象的黑夜与明亮的色彩之间穿插，时而向上时而抽离，从新月到满月，瞥见一缕愁云。关于年长与年轻两位导演角色的叙事，让人想到的是《公民凯恩》般的对人物现实的不稳定认知，而金敏喜的角色身上带有较强的多重性，不只是观众的认知，同时也是行动者、“逆溪流而上的叙事编织者”，以及一些不可测的色彩。
      • 看金敏喜已经是一种习惯了，以年为单位等待也毫不焦急，大概是笃信洪尚秀会按部就班的稳定产出——这个年代，“写情书”这件事很容易陷入心血来潮的浮躁，但洪尚秀写给金敏喜的电影情书，却独有一种细水长流润物无声的怀旧文艺气质，以摄影机为眼，爱意旖旎流转，苍老亦交融于时间，自然到此去经年的银幕重逢，甚至忽略了草木轮回；也常常感慨，喝酒、散步、尬聊，洪尚秀这看似平平无奇的三板斧，为何就总有让人欲罢不能的魅力呢。// PS. 海报堪称“浪漫”的最佳具像化表达。
      • 罕见地探入一个机构的内部，罕见地拍了夜晚，罕见地引用历史。然后是似《广岛之恋》的“没有，我什么也没有看到。”今年喜欢《旅行者的需求》多一些。
      • 【4】不知道跟以往的洪常秀电影有什么区别。唯一的区别可能是看到一些用心，越来越“剧情化”而非“Vlog”。可以清晰地看到剧情的编排，戏剧的编排，女大学生的新面孔，更加难得是看到了更加松弛，充足，过载的金敏喜。但除此之外，依旧是那种不知道干啥的电影，剧情同Vlog彻底混为一谈，又只看到吃饭，聊天，喝酒，散步，尬聊。原本是标准的三星电影，无毒无害轻松的洪式Vlog混剪的，很爱看。看到评论区对空间，编排，洪常秀的情书，对电影的各种荒谬的赞美，哦，两星。
      • 艺术与生命的比喻结构，往往是至纯至美。因此生命是一条溪流，潺潺向下，我们溯流而上，将溪水的波纹织入布中。堪为洪常秀生涯总结的作品，是敢于回返早期，敢于具体，敢于繁杂，敢于重新爱恨涌动、生死谈资，敢于在酒桌上把切实的人生苦痛托出，挑到窘境之上。认得出的洪常秀和认不出的洪常秀一同现身，最后几个镜头轻轻往返，令人叹为观止。从电影院出来，恍惚觉得所有他的电影、所有关于他电影的回忆、个人的所有回忆，缠绵而来，无话可说。
      • 我好像从电影里看到了洪常秀自己的影子，不知道是不是错觉。导演这次几乎去掉了所有的电影技术，只留下了叙事和表演，连戏剧冲突都在尽可能地去除，但电影依旧可以很迷人。当导演的作品拍得越来越多，我们看得越来越多，导演和观众之间形成的纽带会让电影创作上每次微小的变化会变得很吸引人。电影工业之外，还有电影可以这么拍，多好啊！
      • 对洪常秀我也是尽力了，有些人能不能别沾Woody Allen，拍大型废物吃饭聊天片段就说是韩国Woody Allen真是谢谢了，他的每句台词都是有意义的不是废话OK？金敏喜这部戏讲台词不知道又是怎么回事，和年轻贱男导演讲话好像在跟弱智讲话，真的该去看一下精神科，就这种贱男还能出轨三个女学生最后还有一个愿意跟他结婚，舅舅说对前女友做了很差的事情，没什么大不了的事情发生但我无法释怀，全场女孩子们深表同情安慰他事情已经过去了，讲述和妹妹的决裂只说一句她骂我，前因后果也不说就说人家以自我为中心，又得到了当场两位女士的理解，看笑了，你们老年男导演真的是可怜又自信
      • 第2500部，献给我的艺术电影启蒙，献给在我身边只有不到100米的老头洪常秀。感受到这是老洪好久不见的一种回归。就像他说的，他把典型性的角色和非典型性的角色混在一起，通过几场会面，尤其是几顿饭，看到他们的故事如何发生和延伸。他对角色从来不带预设，但确总有些调戏和反讽，调戏着关系中的孤独与欲望，又反讽着堂而皇之的面子工程。在溪边回到了有些男性知识分子的视角，进入到一个女子大学的场域发生的种种是非。这是有关的性别的，但洪常秀只是给你看产生命运变化的某些瞬间，和他们在那时的选择。与之前篇女性角色为主导的展现日常会面的电影相比，这部电影中因为涉及太多人生巨大问题的角色，它有太多直接的人物的对抗和冲撞，它也有很多情绪宣泄和互助的时刻。洪常秀不再让我们只是客观得看角色的故事，而是让我和他们一起有哭有笑。
      • 9.11 TIFF 金敏喜很美，烤鳗鱼很香，我还是很困。
      • 金敏喜对待不同人物的态度就像在不同的舞台场景中穿梭，比如她对女学生百般呵护，对乱搞男刚正严厉措辞强硬，又比如在舅舅和教授那里，她扮演着“多余”，但不时地变成一根尖锐的枪。就像月亮圆缺变化，月亮还是月亮本身，金敏喜无论处在哪个宇宙，她都共享着所有宇宙的能量，她们汇聚成为她，而“她自己”又拥有着“她们所有”，主体不是单一的中心，而是散落在多元统一的意识之中。我更偏爱洪的原因就在于，他将这种领悟用全然生活化的方式呈现出来。人物所处的时空就像溪流，看似有始有终，但当我们去探寻时，或许那里什么也没有。
      • 舅舅和外甥女的人设太奇怪了。已经对洪尚秀祛魅了。 在阿曼家
      • 就这么几个演员，今天你演这个，明天我演那个，就这样子一直演下去好啦
      • 洪用朴实的方式呈现内心的平静，如流水如编织，在身体的运动和双手的劳作当中重返安宁之地，金敏喜相信流血带来的启示，开启另外一个世界，“开花在时间之外”。
      • 8.5。角色情緒自然生發，敘述口吻豐沛多變，注視視角平等冷靜，讓觀眾輕而易舉地融入每段相遇。化技法於無形的精巧結構又讓每段對話都隱隱透露著主觀敘事或二次搬演的痕跡。洪常秀真正記錄並重現了日常，一種提煉後可任意編輯的日常，一種用以掩飾生活空洞本質的日常。
    • 豆瓣 7.4 IMDB 7.0 正片
      Bird
      2024
      剧情片
      德国,法国,美国,英国

      鸟

       Bird
      • 豆瓣网友的评价
      • 某个角色及其故事线对阿诺德这部片来说几乎是灾难级别的破坏性，尽管剩下的一切都仍然是阿诺德的照常发挥，但也很难挽救回来了。属于是在创作立意阶段出了问题。
      • 许久未看到在各个立意层面都如此落伍、如此辞新迎旧的当代电影了——疼痛青春、寻父求源、化鸟为人、「Yellow」插曲、再以强行温情草草收场。不是很喜欢安德里亚·阿诺德电影的原因，在于她作品里的主角虽然都在不断地逃离、不停地向前跑，但围绕主角的剧情却总是缺乏推力，叙事停滞不前，缺少突破的勇气——就像是驰骋于配速每小时9千米的跑步机上，跑得精疲力尽，声嘶力竭，实际上只是在对着眼前的一面墙原地不动。
      • 罗比瑞恩继续献上充满灵性的一流手持摄影。观影途中一度想给五星了(至少四星保底)，但影片最后二十分钟到底是怎么回事？在一个重场戏中对Bird的反唯物主义理解（致命的形似标记）是为哪般，罗戈夫斯基的角色都已经叫伯德(鸟)了，还有必要去还原视觉化的动物形象吗？且一定要完成一次英雄义举，甚至是随后狗狗Dave的起死回生？？对于最后的大和解（女主穿上了那条裙子）我只想说强扭的瓜不甜。阿诺德这次当然变了，她背离了她长年以来所拥抱的现实主义影像。这不该是一则成长寓言，它所需要的恰恰是拒绝象征。
      • 整体上还是对阿诺德无感，可是还是觉得她的金棕榈被肖恩贝克给偷走了
      • 显性的主题探索中其实有相当一部分更靠近是枝裕和，特指的是后者对一种非血亲非常规家庭构成方式的想象和追要，换言之，父亲该是一个要求凭靠努力来扮演的角色，比“父权”更重要的是“如父”。如果说英格兰的楼底世界在阿诺德的摄影机下露出了幻想的色彩，那么比起幻化人形的大鸟，它更来自这样一种风景：刚完成孤独成人礼的你赶去参加父亲的婚礼，而你亦能把他的雀跃看成“孩子般”天真的。但最动人的也许还该是那一片总在不远的头顶悬停着的超越性，阿诺德意在讲述的是一种自然友谊，大鸟舒展开的臂膀笼罩每一个期待成长但害怕犯错和疼痛的人，除却那些城郊之际陌生小鸟的好意，就连清早的风和摇曳的草都在对她言说，也像那些涂鸦在破墙上由匿名者送来的鼓励：take care of people, and don’t worry，无论如何。
      • 丰富的触感和知觉体系，特别爱沉默的女主看到每个人物在脑海里闪前片段的设计，仿佛a second thought to linger with，让暴力和温柔、破碎和圆满、脆弱和坚强在角色身上复杂地交织统一。罗戈夫斯基真的太好了（他和巴瑞基奥恩真的都天才选角），对鸟的表现化处理也很爱。羽毛是一个太好的意象，既包裹、温暖又脆弱易碎，甚至还带着成长毛棱棱的痛楚。
      • 略无语MV式的阿诺德，总是脑补下一秒就要出现Cardi B的声音，竖屏部分也像手机广告，似乎只有这样才能体现与当下时代的连结。除此之外，还是熟悉的阿诺德———侵入并搅动空间，细腻丰富的情境设计，真挚的底层叙事，对濒临破裂又互相羁绊的情感关系的深度痴迷（还致敬托尼厄德曼？）以及些许自我重复的疲态。提前肯洛奇化。
      • 演员不错，电影背后没有很强的创意跟故事，导演一直在重复他之前电影中成功的东西，但在这里没有达到同样的效果。关于鸟的存在，它是真实的还是贝利想象的，是开放性的，但我觉得鸟不该有羽翼的镜头出现，出来反倒low了。
      • @CannesDebussy 几条故事线平衡得并不是很有机，像是洛尔瓦彻的灵性青年穿越到了阿诺德的残酷童年里，但极富魅力的两位男性选角又多少掩盖了这一弱点。好在阿诺德肮脏却生机盎然的底层世界始终如野草般恣意蔓延，它收纳异世界，冒险的旅程里总伴有天真的回响。在所有融合新媒介影像的戛纳作品里，阿诺德最成功把少女的手机视频转化为闪烁着诗意的记忆。
      • 3.5 鳥是被拋到這天地間，自由的、孤獨的；鳥會一直看著你。家的概念中有父母職和保護，而不被在意的幼雛們只能互相取暖，再長大成為另一隻羽翼豐滿的鳥。有非常非常喜歡的部分，電影渴望在現實中邁出一步：奇幻的部分透過膠片動人地閃爍，同時涉及很多獎項面相的題材（Queer、家暴、失職青少年父母），答題的姿態還是退步折損了電影的靈動。
      • 4.5。在这个艺术电影极速向金钱名利和政治正确堕落的时代，能看到如此生猛充满真挚活力的影像，应该是看电影的人最幸福的事。在互相激烈碰撞的人物背后，伫立在楼顶的Bird身影和小女生温和释怀的笑意是这一年最动人的瞬间，那些快速闪回又转瞬即逝的画面组合宛如人物思绪最潜意识的无序飘飞，但到动情处一切又回归最温情脉脉的黄金时刻。影片有不少缺陷，对音乐的使用过分泛滥，对羽化的处理太过实在，最致命的是结尾多出了那短短的一分钟，本应该结束在女孩和Bird的对视，而不是再次羽化的重复拖沓。但瑕不掩瑜，它的真诚炙热情怀超越了一切关于形式和故事的争论。我琢磨为何有这么多人对这片感到不适，结论是当看者没有准备好对世界持毫无保留的真实感受态度时，它发自内心的真挚就是对人类整齐划一面具的粗暴冒犯。最后，戛纳评委，你们都瞎了。
      • C / 确实是真挚的电影，真挚到方法论上的矛盾都极其明晰。一方面是精确的概念极其视觉化，它包含了如此敏锐而多样的运动线条与某些时刻神秘而温润的失重感。但另一方面又可以明显感觉到阿诺德刻画人物内在与讲完故事的累赘渴求，集中体现于过分预知的情感铺垫、极度文本化的闪回影像以及后段愈发拖沓的叙事节奏。对短视频的运用也更多是灵光乍现，缺乏更深入的探索。尽管如此放在本届主竞赛也肯定是前几名了。罗戈夫斯基的表演太好，完美的肢体。
      • 满墙涂鸦/寄人篱下/乌黑秀发/不是乌鸦/提枪遛鸟的老爸/一言不合就生娃/贝莉一听就炸/没有任何办法/跃出鱼缸的那匹白马/被男大姐俘获又释放的蝴蝶花/被裙鸟带跑迷失自我的大姐大/不是街娃/懂些激将法/不是任人打扮的吉娃娃/不是替人赚钱的毒蛤蟆/不是代运魔菇的飞行家/摩擦/摩擦/魔鬼的步伐/没有滑板鞋/天黑很害怕/摩擦/摩擦/女巫坏魔法/有了滑板车/天黑还是怕/我想要有个家/我不擅长打架/我是贝莉女侠/梦中的女飞侠/飞翔鸟的宝妈/短发/从头再出发/白马/非白手起家/魔法/重新抓娃娃/了不起的狐狸爸爸/再见啦/再见啦/女孩终究是女孩/听见颜色的女孩/屋顶上的女人/亚当转大人/屋顶上的女人/亚当转大人/屋顶上的女人亚当/转大人/屋顶上的女人亚当/转大人/屋顶上的女人/亚当转大人
      • 迄今为止我个人最不喜欢的阿诺德。虽然配料跟以前的《鱼缸》和《美国甜心》是一样的，但这次显得重复、杂乱、聒噪，甚至连超现实的部分都给人感觉适得其反。
      • 十几岁为人父母、二十几岁抱孙子的新垮掉一代，加上女孩teenage angst主题，还以为英国人手一个“无耻家庭”。镜头语言太鲜活了，奇幻信手拈来，看完后才发现是“美国甜心”导演，还是那么熟悉的草根诗意。
      • 蛮有意思的想法，不是说鸟本身，而是对于胶片和数码的性质的玩弄颇有想法。对阿诺德来说，胶片才是那个可以被操纵的东西，数码则是实在的确证的扁平的。恰恰在这个意义上，胶片或电影才是那个真正的想象的魔幻的空间，是梦进行的地方。阿诺德反叛也在于此，“鸟”也从属于这个观念。
      • 平庸之极的阿诺德。曾经她电影的魔法只需要一辆途经的拖车，昏黄的窗玻璃即可表达，如今引进一条完全外来于底层街区的人物线不仅全无有机的生命力，而且将无论是剧本还是调度的刻意造作显露无疑。
      • 让阿诺德拿奖吧！！同样是描述青春时代，比起《鱼缸》的犀利尖刻，这部显然温和慈悲太多。一个12岁的成熟女孩，在大人不成人形的世界里，遇见并梦想成为一只鸟。她波澜不惊的表情下有着对未来生活的强烈期许，比起愤怒，她选择用手建造生活，以行动关爱他人。大银幕许久没有家庭破碎但不将脆弱写在脸上的坚强又稳重的女孩了，我好爱她。Barry和Franz都贡献了非常非常好的表演，Franz简直太美了，鸟的形态在他人类的身体里焕发出独特的弧光。当他展开羽翼的时候，我的眼泪也无法抑制地流了下来。
      • 其中一场戏印象深刻，母亲的对象对母亲实施家暴，阿诺德不避讳拍摄暴力细节，但更多从女孩和妹妹的细节呈现它噩梦般的可怕。女生们常觉得以前的作品拍家暴戏令人不适，大概就是视角缘故，阿诺德找到了一种更细致的叙事方式。原本只是成长题材，由罗戈夫斯基饰演的鸟人是一个象征，把文本层次提升到更复杂的语境。
      • 私心讲，金棕榈应该颁给这样的艺术电影，她都拍成这样了，竟然一个奖没拿到。安德里亚·阿诺德导演这次加入了超现实元素，可以理解为女孩在迈进成人世界时的潜意识心理外化。女孩的手机一直在拍摄鸟、天空和围栏，直到鸟先生在几股妖风后出现，故事逐渐在虚与实之间做出了趣味性。虽然导演拍得还是底层，这次把镜头对准一个“英国甜心”，很喜欢最后女孩内心传递出来的温暖，这次的社会底层故事终于不再苦大仇深了，看完这部电影可以暖一个冬天。
    • 豆瓣 7.9 正片
      Happyend
      2024
      剧情片
      日本,美国

      昨日青春

       Happyend
      • 豆瓣网友的评价
      • 在这样一个全世界右倾的时代去怀念一群战后的左翼学生还真是让人感动。一想到导演是教授的儿子，就觉得更动人了。真是如父如子啊！
      • 你们日本左派影人真是一代不如一代。当年大岛渚们的凌厉影像与尖锐态度，到如今只有符号化的假人空喊口号，对于极权社会过家家似的幼稚想象，以及对杨德昌式镜头语言的肤浅模仿，甚至连配乐都是对乃父的东施效颦。果然是个在美国长大的日本人回国拍出来的近乎玄幻片
      • 政治电影，甚至有点酷儿意味。近未来，对监控的反对演变成部分的学运，学校是社会的缩影，未来是当下的寓言。似是而非的关系，借政治和主义的链接，含混地掩去、让位，同性和异性，放置回青春的集体。男朋友，女朋友。一个教会我左翼，一个教会我亲密，我面向你，面向政治的责任与善良的勇气，我背对你，背对涌流的情谊和懦弱的不举。当然是非常类型化地发生，等剧情的起承转合过去，圆满结局是最寻常的别离。为了保护你，为了爱着你，为了你为了你，我们走向天桥的两边，要上班的去上学，要上学的去上班，记得当时模糊地叫过“我爱你”，那是若无其事地冲着你的背影。我们共同地走进河流里，共同地趋近政治的左翼，尽管以不同的方式，以或高或低的声音。青春过去后，我们会否认这是种酷儿的东西，说一次我爱你是友谊，说两次会意味不明，我一再望着你。
      • 这完全是香港…然后我要说，“不合时宜”喊出警察维护权贵的女生有独立思考，只搞音乐和微小反抗的竹马有独立思考，唯独听了一轮键政就觉得自己有独立思考了的男主没有独立思考，但是呢还这么年轻，所以也是一种happy ending
      • 作为反乌托邦电影，议题太过时；作为政治电影，有点幼稚；作为青春电影，情感太局促。视听构思是精雕细琢的，设计感强到框住了表演，一部有怀乡气息的复古昭和电影，脉络上甚至承接了70年代大岛渚。但精神气质挥之不去虚无和游戏感，是导演的青涩，也是时代的浮皮潦草。 @香港百老汇-油麻地 avec lu
      • 灵啊灵啊！我是盲盒观影的，惊讶于哪个青年导演成熟度这么高，出来一看是坂本龙一的儿子，难怪了...审美很好，感情也非常细腻。一群拒绝守规矩的“坏孩子”的青春白描，国产青春片我从来没看过能把一群“校园混混”拍得这么招人喜欢的，角色有主次之分，但每个孩子都很有个性很生动（比如矮个子小男生毕业典礼上衣服背后嘲讽校长的图案，小男生跟会说点中文有点野性的女孩也很好磕），留白很多，但意思都传达到位了。对zz议题、多种族融合、都市留守少年心理的关注，通过监控事件（人家是软科幻但我们这已经成为现实了）对社会权力的隐喻和讽刺，主题很多很大但又没有生硬的说教味，有属于年轻人的稚拙和冲动，音乐元素和选曲品位就更不用说了，有他爹的无敌曲库优势。90后的空音央前途无量啊
      • 1923年关东大地震后谣言四起，仇恨在日朝鲜人和华人的日本军国主义者借机发起屠杀，史称东瀛惨案；2011年311东日本大地震后，日本政府和东电隐瞒情况延误时机，造成七级核泄漏事故；不久的未来，南海海槽大地震将席卷日本。在日本，地震是普通民众的危机，也是当权者施行控制的借口，如果不反思历史，当危机来临时，法西斯未必不卷土重来。空音央从地震危机尤其是上述三场地震获得灵感，将这种情绪与自己的高中生活结合，创作出这部近未来反乌托邦青春片。在导演的镜头中，有人是青春的热血者，他们呐喊着，在呐喊中反抗，也有人是青春的悲观者，他们沉默着，最后在沉默中爆发，但不管是谁，他们都迷茫过，愤怒过，抗争过也失去过，他们的青春是什么样子，社会就是什么样子。最后想说导演选择的音乐与问答时的低音炮都太好听了#HKAFF
      • 挺漂亮的电影，声音空间节奏表演都不错，可惜宣传方式错了。读了导演几个采访，感觉他对社会现象的观察很幼稚，刻薄点形容就是有股“兔兔那么可怜，怎么可以吃兔兔”的天真无邪感，不过也有可能因为他是想和十几岁的观众对话吧，期待导演的后续。最后还是遗憾下，近年仍没出现什么真正残酷的青春电影。
      • 以少年的个人选择应对了看似对六十年代学运的招魂，影像成熟老练精准到让人惊异，对建筑空间和城市氛围的捕捉是近年日影的大惊喜。即便对右翼大环境的讽刺有点幼稚，也盖不住最后一帧镜头剪辑传达出的清爽、幽默，这正是那个打动人的坚毅内核。看完会让人特别期待导演以后的作品。
      • 很对路，也是我们对校园时代行为与经历的思辨。想到上初二的时候，手欠把装在室外楼梯上的摄像头掰转到另一个方向，却没想到在扭转的过程中镜头扫过了自己的脸。下午教导主任就把我从课堂上拎出来，在监控室回放给我看，我至今忘不了那一晃而过缺了半颗牙的笑容。叛逆得可爱一点还是严肃地去争取校园里的公共权利，后者似乎在我们的实际生活中从未有过，它只出现在对历史浪漫化的想象中。拆除作为校园行为评估的监控系统，是运动家的胜利，保守派的悲鸣，恶作剧者们则为少了个乐子叹了口气。
      • 第一部剧情片能搞成这样相当不容易了！当校园题材完全够看，人物之间的塑造足够细腻动人，几个灵光乍现的段落也足够惊喜，没有日式霸凌简直大快人心，学生运动的部分恍惚间让人想起《冰菓》…
      • 青春之美在于孤独、团结、反抗，好动人，想到《孤独六讲》中的革命孤独。视听语言携着故事渐进，从电音给人的浮躁逐步深入，挖到很深的议题。青年也许有迷惘，但直觉是更强大的导航，使人生出自我，Kou成为Kou、Yuta成为Yuta。 最厉害的是铺陈，不疾不徐，好多慢镜头、信步闲笔，真奢侈。爱情与友情像或明或暗的光，散落各处，酒馆黄色的光打在女孩激情澎湃的脸上，理想放光芒的样子。 空音央理解青春的美在于这种各种可能交织的复杂性，它什么都能接纳，但每个人走出的路又如此排他。在Kou心系更大环境、在长廊上向外观看，Yuta经过他身后，那一幕Yuta的胸口仿佛涌起了风，那么宽广，没有除了爱之外的任何东西。结局令人想到坂本龙一的“音乐即自由”，少年时代无私而纯粹。走过同一段路，走上不同的路，也不会成为陌路人。
      • 最后套用了一个《超级坏》式的结尾，所以整体其实仍是一部青春片。而涉及到的那些近未来、末世话题、对政治的参与以及成人世界的反抗等等，都是为这个青春话题服务的，基本还是友情、爱情、步入成年的困惑、存在感等常规话题。不过音乐用得真挺好的。
      • 今年威尼斯个人最爱，处女剧情长片竟然就拍出了这么好看又引人深思的反乌托邦电影。 以高中生的日常切入，视听语言的灵气、呼吸感和对人物关系的处理绝不输三宅唱，音乐品味更无需多言，开头还有我很喜欢的DJ本色出演的小彩蛋:) 将对六十年代学运的回望和对当下的讽刺、对未来的忧虑细密串联，青春片的浓郁色彩与政治惊悚氛围既对撞又完美平衡，好多幽默感细节、美学流动的画面和灵动的音乐填充全片，要素满而不溢，这就是电影啊。 空音央对政治不仅有深刻的理解，更懂得如何举重若轻地将其融入电影表达：那些权力对个体日常生活肌理的侵蚀，学生们在运动中的瓦解与分化……看完就理解何以花七年时间打磨剧本。 看空音央的IG，他一直在积极为巴勒斯坦发声，真的是一个很有爱、充满理想主义和行动力的人，非常非常期待他的未来作品。
      • SGIFF 我们小时候交朋友不会考虑你是支持俄还是乌，是巴还是以，是清零还是放开这些有的没的，一起上学一起放学有个共同的爱好就足够了。
      • #10676. #8th PYIFF# 卧虎-评审团奖。前入围2024威尼斯地平线。蛮好的青春片，跟《大逃杀》可以连着看的、以学校提喻社会的构思，青春片+政治议题，犬儒式的“政治冷感”甚至比“青春热血”写得还到位，同时也处理了“在日韩国人”的议题。“近未来”对日本国家集权的想象甚至在2024年8月的“南海海槽巨大地震”中几乎成了现实。音乐……真是教授遗风，和弦、节奏型和效果器都一样……
      • 在威尼斯至今为止最喜欢的一部电影。作为剧情片首作，空音央在这部作品中体现出来的导演能力已经相当成熟并且有灵气。近未来软科幻的设定下讨论的其实是现在右翼不断崛起下的移民问题，借用高中生的身份将这个沉重的话题没有非常深入地讨论而是展示了不同青年人的切片。最喜欢的片段是离开学校的男生在打工的乐器店里谈着悲伤的音乐，店主说我们搞一些轻快的音乐吧，随后她像DJ一样放起了歌三个人一起在乐器店跳舞，看到这个片段哭了出来。如果教育体制内你无法保持自己的良知和自由，也许脱离这个世界也不一定是坏事。
      • 好久没看到让我在乎的青春片，哪怕许多桥段如此老套，但它让我成功回到了某种身份政治的舒适圈和一种老派的对民主与觉醒的厚望。到底哪部分属于未来呢？至少灾难的阴影、右翼政党以及在“单一民族”的制度之下涌动的多元文化早已成现实，而监控和意识形态的暴力冲突或许在日本还没有体现为如此强势的入侵，但它也属于当下（和别处）远多过未来。也许只是导演在 Fumi 身上寄托了学运的幽灵，而心诚者想要笃信幽灵在被召唤的路上，（“日本”）年轻人终被附身并非空想，于是有“近未来”。原声比画面要恢弘悲怆得多，影像不乏灵气逼人的片段，虽然也偶有拖沓，但对青春感的处理又很得当。Kou 从头到脚简直是商业 BL漫画的体育社团梦中情攻！比无数耽改的选角强一万倍！
      • 牛牛牛，看得汗毛乍立，地平线最佳预定。作为剧情长片首作，无论是影像还是剧作控制力都非常惊人，还有难得的幽默感。感觉空音央和三宅唱应该可以成为很好的朋友 p.s. 这配乐真的泪目，感觉得到坂本龙一真传了
      • 最好的青春是蠢的要死的青春。
    • 豆瓣 8.5 IMDB 7.9 HD国语
      Perfect Days
      2023
      剧情片
      日本

      完美的日子

       Perfect Days
      • 豆瓣网友的评价
      • 拍的太好了。整个戛纳唯一在关注生活的导演。没有故弄玄虚，没有炫耀手段。那些说这是精英阶级童话的朋友也是在幻想工人阶级的苦痛。工人阶级连发现一朵花美好权利都没有，只能咆哮才能满足你们的猎奇，赚取你们的眼泪吗。难道吃饱一顿饭，晚上看看书，拍张照片都要被归为精英吗？还是说，你们被大多数人比你们拥有完美生活的事实吓到了？
      • 文艺逼老了之后，首先不会停止摄影，随身携带傻瓜相机，对无意义的树木按下快门；毕生收藏的摇滚磁带要规整地摆在床边和车里，不会轻易挂咸鱼；有阅读的习惯，但一天也看不了几个字；偶尔去酒馆，但不酗酒。躺在床上的时候用4:3画幅回想过去的黑白往事，可以不是具象的，每当有暖色阳光洒在脸上，要流露出慈祥的笑
      • 看得如醉如痴。一个独身中年厕所清洁工，看福克纳书、听地下丝绒音乐，品味好。清洁的厕所是日本著名建筑师设计，个个精彩。独身生活，由良好生活习惯、整洁小屋、自动售卖机、音像店、冲印店、旧书店、洗衣房、公共浴池、熟人酒吧、小饭店稳定支撑地井井有条，想想上海摧枯拉朽的速度，一身冷汗。弱智儿童、孤独午餐者、幻想超人的流浪者、不理解他的妹妹、无法自洽辞职的同事、亲一记女青年、“现在是现在、下次是下次”的外甥女、一起玩踩鬼的患癌症的酒吧老板娘前夫，各种人群与他而言，都有触动反应，但无法撼动他稳定内核。豆瓣有人质疑这是童话，是阶级歧视。我则认为，文艺的力量不就是让你活成一个精神生活有要求，日常生活有细致感受，社会生活有良好控制力，常常因为内心丰富的感受不自主露出笑容的人吗？难道文艺只属于非体力劳动者才合理？
      • 从“德州，巴黎”到“东京，公厕”，文德斯的主题从Lonely变成了Alone。孤独的人不一定是可耻的，他可以每天从事千篇一律的洗厕所工作，而生活并未因此失去各种颜色。这种低欲少物质而精神富足的日子，我虽不能至，然心向往之。世界很大，足够容纳无数个小世界，认为劳动工作者不配享有文青生活的人究竟是有多愤世嫉俗啊？
      • 文艺的前提是工作量不能太大hhh
      • 本届戛纳又一个无产阶级形象。一个劳动甘愿的、艺术化自己生活的无产者，还让一些有特权先睹戛纳片的资产阶级义愤填膺了，哈哈。太tm逗了。本片是文德斯对日本的现实童话想象——贫寡但低压力，不参与成绩暴政，水泥森林里的隐士。说他是个积极的东方主义都行。这只是一个可能性，我也很怀疑资本主义给不给这个机会实现。这部片主打的还是天真，没那么复杂的zz主题，更谈不上社会危害。文德斯就是这股子天真让人觉得好。
      • 开始还很好奇，他到底有着怎样的过去？看到最后，开放式结局让人长舒一口气，因为更重要的是他想要经营出怎样的现在。影片过半我意识到，这就是我现在最想要的生活：每日早起开车边听磁带边去工作，中午去庙前坐着吃三明治看阳光穿过树叶，下午去澡堂洗澡，晚上回家读书睡觉，周末洗衣服买二手书洗胶片下馆子。片子最后，他开着车，望着远处日出金光闪闪，不自觉湿了眼眶，我在屏幕另一边与他相互凝视，泪流不止。这种感情，少了点悲伤，多了点平凡的感动。生活很多苦难，但还好，他选择以最简单的方式来对抗。捕捉树影人影风影，品味生活最微小最美好的瞬间，每天花很多时间与自己相处、思考、发现，朴素而诗意，也充满希望，这就是完美的日子。
      • 我不认为这是对体力劳动逆来顺受唱赞歌，而是对主动选择低欲望社会的自我剖析，而在这一点上东京只是一个载体，放到其他资本主义都市也都能用新的形式成立：白天带着精致齐全的小工具出去打扫公共厕所，路上听听patti smith和van morrison卡带，间隙用胶片机拍拍树影，有熟识的小店和照顾自己的会用演歌腔唱“日升之屋”的老板娘，工作完去泡个汤，晚上回家照顾照顾花草，睡前读读福克纳、幸田文、派翠西亚海史密斯……坐在影厅的老爷们质问：“为什么不反抗呢？为什么不求变化呢？”是啊，为什么呢？在役所广司的角色上就能看见日本从“一亿总中流”到“失落的x十年”
      • 一部关于日常秩序的电影，役所广司像米国公车司机帕特森一样醒来，每天去打卡工作，没有老婆不养狗。不变是一种秩序，整洁是一种秩序，下班搓澡来一杯也是一种秩序。很难讲，这份低阶工作到底赋予了主人公什么，可能仅是切割分配时间，参与到东京某一环秩序本身而已。这点秩序，对大多数人不值一提，对他的中老年人生，却非常重要——如同卡带、文库本、自动售卖机。往大了看，这自然是东京都的一本项目提案，但不阻碍我们以现实的角度，去解读役所广司的生活。事实上，他的日常活动，有70%都和吉井忍《东京八平米》的当下时生活，近乎一样。只不过，他不仅有八平米的生活，还选择了流动，八平米的清洁工作。如同阴翳礼赞，这也是老文青文德斯的“木漏れ日禮讚”。
      • 本片又名：INFJ如何过好这一生。。。
      • 一条评论说"劳动无论如何都不应该被美化更不该用树影，胶带等的自我感动去稀释。这些装饰将男主收编进了某种资产阶级目光下的收藏品中"。的确，影片讲述的是男主的一种"秩序"，但在我的经验里这种秩序通常在劳作中会被很大消耗。但我也不太想和社会性联系起来，perfect就perfect了。也有几个尬点(店主说that's rare, that's lou reed; 导演在秀听了什么好审美的音乐; 女孩亲了男主一下)。但总的说瑕不掩瑜。影像上，"wenders对影像的直觉和敏锐一如既往太好了"。树影，充满神秘和永恒。
      • #Cannes2023-37 外国导演看日本还是能看出一些些不一样的地方，比如男主绝不会像日本电影里一样坐下来吃有味增汤的早饭，而是一罐贩卖机咖啡就出门上班了。把社会机器上的螺丝钉还原为一个体面生活的人，让后工业化时代的城市机理变得更为生动有机。对于男主家庭背景的一笔带过，而是强调所有“当下”的生存状态，是导演的艺术选择。役所广司这个影帝我颁了。
      • 东京版《Taxi Driver》，役所广司个人秀。可惜文德斯不像斯科塞斯一样出生在纽约，作为外来者对于东京的城市解构自然也就停留在域外视角，倒无可厚非。配乐show off感觉过多，但Pale Blue Eyes和那段车中对役所广司目光的长镜头太契合，Sachiko Kanenobu如此冷门的70s初日本女音乐人的运用没有料到。 结尾揭开役所广司身份背景的时候还有些失望，我认为这样的描述消解了他本能带给观众的身份认同感。不自觉地发问，为何让自己活的节奏舒适而自洽同时具有良好审美就一定得有既得利益的家庭。但结尾让我释怀了，事实上，身份与背景根本不重要。所谓的对于这部片子小资情调，不关注“下层”阶级苦痛的言论。能说出这样的话本身就代表了他们对无产阶级劳动群众的敌视，谁规定劳动人民不能有高雅情趣？
      • 受够了白男白女的发疯做爱，还是平平淡淡的东亚人是我的菜。认真完成的工作、发现美的眼睛、温暖他人的善心，多么完美的日子啊。
      • 27th Debussy Theatre 8:30-10:33 文德斯必须要回答的是，他是在为谁拍这个电影？我看到独居的aged体力劳动者会想到他孤独死的结局，看到拉着婴儿车找孩子的妈妈会知道这是丧偶式育儿的折射，看到y2k一样的小姑娘会知道她有多大概率面对校园霸凌或年长男人的性骚扰——这就是我们大美东亚。我身边的美国人看到哇哇大哭的孩子和公园的路牌照应了会笑出声，看到锁上门就模糊了的厕所会笑出声，看到从鸟居附近栽移回家的小苗也会笑出声——这是他们看到的大美东亚。我必须要问，他如何或者说有没有想过这种他所歌颂的（来到东京发现厕所很干净所以要拍一部电影）体面的整洁、治愈、“小确幸”的背面是一些人无法在这个文本中获取到的之于他的“想象”同样重要的现实？而一部导演电影多大程度可以牺牲这种现实？
      • 简直是为豆瓣文青量身打造的电影，独自一人生活，热爱听音乐、阅读和拍照，日复一日在自己构建的世界中感受到这个世界带来的安稳和美好，而且东京这样的大都市也能够用居酒屋、书店、食肆、澡堂给予他充分的满足。虽然也有往日生活的苦涩和现实生活的偶尔不顺，但他很快就能平衡，进而继续他自足自乐的生活。
      • 戛纳打卡，大叔很帅气，画面挺有质感，侄女有点神似新垣结衣。东京的厕所真好看，表面看似平凡的清洁工，隐藏着一颗文艺的心，一个人就足够强大丰富了。胶片摄影绿植音乐，看似跟清洁工毫无关联，反差却也在情理之中。让我想到一句波德莱尔的诗，别人看我喝最低劣的烧酒，而我却在风中行走。侄女说，妈妈说叔叔仿佛跟我们不生活在一个世界。大叔应该是INFP。
      • 我说你们这些男导演真的够了，最近看的三个片子，全是小姑娘爱上老男人，然后还要再加上一个风韵犹存的熟女做陪衬，把女人分成天使和妓女就是你们幻想的模板
      • 用一小时构建稳定与美，再用一个小时不断去干涉，但似乎都是很小的漪轮，似乎稳定、美、享受都还在，最终才把一点哀伤的底色显示出来，并且仍然拒绝明确外显的解释。梦太唯美了，充满禅意却又根本看不懂。日本的德州巴黎，窄窄的画幅，琐碎的日常，日复一日却不招人烦。进书店的滑动变焦以为是眼花了，结果看别人也提到了。
      • 起床，刷牙，浇水，咖啡，磁带，摇滚，蓝调，爵士，厕所，摄影，友树，移栽，泡汤，冰水，居酒屋，福克纳，幸田文，影子，睡觉，完美的日子。

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