暴风雨 Tempestad (2016)

最近更新: 2025-05-12 正片

主演：Miriam Carbajal / Adela Alvarado
导演：塔蒂亚娜·韦佐
编剧：
分类：纪录片
地区：墨西哥
年份：2016
更新：05.12
TAG：纪录片
片长/单集：105分钟
暂无评分
5.6 (2,760票)
6.00 (热度:2.38)
简介：看片狂人(www.kpkuang.com)为您奉上其他电影《暴风雨》的免费在线观看，《暴风雨》是对白语言为其它，属于纪录片类型，最后祝您观影愉快，本页面也会及时添加或更新本片（剧）的最新播放源。以下是剧情简介：　　A group of innocent people is charged with human trafficking and thrown into prison. The authorities announce they’ve dealt a blow to organised crime; the public is reassured. “Pagadores” are what the victims of such procedures are called in Mexico. In her sec...... 完整简介请见下方

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Tempestad.2016.SPANISH.1080p.WEBRip.AAC2.0.x264-KUCHU[4.27GB ] 详情

一群无辜的人被指控贩卖人口并被投入监狱。当局宣布打击有组织犯罪；公众放心。在墨西哥，此类程序的受害者被称为“Pagadores”。在她的第二部专题纪录片中，Tatiana Huezo 让一位年轻的母亲讲述了她穿越地狱的旅程：无辜的她被剥夺了自由，她被交给了那些她被要求赎罪的人——在海湾卡特尔控制的私人监狱里。

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豆瓣 6.7 IMDB 6.3 正片

הברך

2021

剧情片

法国

阿赫德的膝盖
הברך

豆瓣网友的评价

叙述了一位文艺中年祸害老百姓还振振有辞的狂想。这种绕来绕去总是想把周围的人当成原谅对象的优越感是一种精神病症状。
杀疯了的拉皮德，站在巨人（视听手法）的肩膀上向巨人（道德立场）发起挑衅。以焦虑作为戏里戏外的创作源头，再演化成愤怒与哀叹，摄影机在动静之间来回切换，像戴着镣铐张开翅膀。沙漠中昼日与夜缓缓交接，情绪持续下坠（镜头与人物的距离），思绪时刻飞扬（毫无预兆的转场）。用剥削的文本反抗剥削，绝望的眼泪淌出之前露出凶狠的獠牙。为什么不惜以冒犯之姿逼我们从冰冷的符号中读出情感？因为那些我们习以为常的情感，在文明的庇护下，实在是太轻薄了。
#TIFF 2021# SPECIAL PRESENTATIONS。前获2021戛纳主竞赛评审团奖（并列）。连看3遍，拉皮德YYDS！拉皮德对摄影机的理解肯定是到了阿巴斯这个层级，这部已经都不仅是“解放了的摄影机”了，甚至可以说是“发疯了的摄影机”，通过对视听语言的探索把导演个人生活、记忆与历史，真实与虚构、元电影、对政治审查和国族的焦虑、对以色列国民性及政治的反思等等融汇一炉。“阿赫德的膝盖”不仅是一个提喻，而且是一面镜子，一个被呈现的“界面”。影片可以看做是《同义词》的回声，连起来看会更加丰富。拉皮德是诗人，拍得却是政治哲学式的电影。#年度十佳# #十年十佳候选#
毫无节制，黔驴技穷，银幕上上下下的剥削。
A / 用第一个被押运的镜头带来虚假的主角，用填充与搬演试图告别穿透巴黎的《同义词》，最终以声嘶力竭乃至干呕的姿态呼唤或鞭笞着那始终沉默的故国。被重复倾吐所开掘的被摄物只能被迫登上舞台/悬崖的边缘。因为对“秘密”的假意赞美从未让那一连串超负荷的语词挣脱我们的肉身。而当手与眼、宣言与面容之间撕裂性的共振发生，当声音逃离并反观毫无秘密却宣称包容着秘密的生活，那眼泪中片刻的恩典才有可能降临——此时的镜头才真正无惧于“人物”的缺席，而只把自己交给那对荒漠的注视。
4.5 在语言、面目、身体和声音的相互对撞下，拉皮德在如眼神般游离和剧烈的镜头中发泄着愤怒和挫败，作为导演要如何挣脱自己的身份和创作环境，那些突然闯入的私人回忆、想象以及现实，如同若有若无的性张力，都消散在了这文化荒漠中。｜二刷4 -> 4.5
3.5 在这片荒漠中，强烈摇晃的主观视角镜头里充沛着焦虑，就像是拉皮德对以色列国家文化审查制度、政治、一切社会现象的怒吼、一种激进的挑衅。
用极度不安与挑衅的方式完成控诉，一种影像上的剥削
赶在被大部队影响之前先打个分。真的还是他的风格，可能我就是吃他这套吧。
那达夫·拉皮德新作，限制性视角与开放式构图一如既往，但这回摄影机更疯癫狂乱了，[同义词]中的类·主观镜头在此时常脱离人物，完全成为主体性的存在，来回摇甩、快速在空中画抛物线、疾速横摇旋转……或许应该命名一种“拉皮德式的运镜”。本片还是一部颇有想法的元电影——“阿赫德的膝盖”正是片中男导演意图拍摄的新片名字，但仅停留于设想中，而他放映的作品也全程或缺席或虚焦，再联系他频繁用手机为身患肺癌却始终未露真容的母亲拍摄沙漠风光的举动，以及他对军中相互折磨的往事中自身扮演角色（始作俑者、受害者或观察者？）的闪烁其词，都让影片显得足够暧昧。10个士兵疯舞及山洞争执的场景有克莱尔·德尼的男色身体气息。但作为政治论文电影（用文化部的资金来批判文化部审查太逗了），本片还是过于直白用力，欠缺戈达尔的诗意。（8.0/10）
#TIFF 2021#导演就像是“恐怖分子”，携人质控诉、控诉还是控诉，连摄影机都在控诉。拉皮德表达是挺到位的，但片子也挺极端的~
对这种癫狂镜头表达加观点宣泄十分苦手
排比句式的，《同义词》的同义词，摩托的巨响昭示拉皮德的去而复返：巴黎，或者以色列的沙漠，有何实际区别？（且慢，骑着摩托逃离的是一位虚构的真实人物。）同样的词语，曾经使劲憋着不愿用母语说出的，最终还是说出了；当影片的自传性开始拖累他时，他再一次在虚构故事中寻找答案，哈，加害者也好受害者也罢，土地与母亲之间，镜头左看右看，他们还不是都站在这土地上仰望太阳，唯有“阿赫德的膝盖”，必须要被藏起，留给未来。
1.Y在荒漠上的“奇迹”前面，拉了一圈尿；2.阿兵哥的迷幻狂躁MV式尬舞，仿佛在对演员说，把你们的身体交给我，交给镜头，交给观众；3.现实与虚构、记忆的无缝切换，让整部作品在有限的时空里变得十分丰富；4.对以色列文化局妨碍艺术自由的抨击。
拉皮德终于找到《定理》中的荒原，却穿上皮衣，忘了赤裸。
一部重新定义类型的电影，拉皮德用私人化的影像，对躲在民族主义劝诫背后粗俗的统治者进行凄厉的控诉。可鄙的法律能阻止新鲜空气，真话会把人拖入地狱，当艺术的话语权掌握在厌恶艺术的人手中，一切荒谬的作秀都是毫无意义的谎言。
还真有点黔驴技穷了，这套手法我已经不吃了，就纯粹给人一种生硬和卖弄的感觉。
《同义词》扫街段落对摄影机的解放还是令我惊喜的，但《膝盖》里的摄影机的癫狂也太没有道理可讲了，摇摆和旋转纯粹变成一种物理上的宣泄，包裹着电影内外导演那惹人生厌的聒噪和浮躁。拉杜·裘德在《黄片》里的实验和控诉是有明确指向的，但拉皮德沿着擒熊之路的这种创作方式剥削意味未免太浓。你能伤害到谁呢，除了爱你的人？#FNC50#
镜头晃到我头晕恶心，导演狂躁的精神状态在裹挟视听，那些癫狂的舞蹈对观众是一种折磨。愤怒是好的，但这种既伤人又伤己的愤怒表现形式下，对民众的优越感究竟是哪来的呢？愤怒的投射对象是整个国家和权力系统的话，导演的表现形式可真是太欺软怕硬了，将个人异化成符号而发泄自己的全部情感，本质是空洞和虚假的。到最后一定要让那个女官员哭出来，这是导演的病态。始终无法欣赏拉皮德。
#TIFF 补才发现当时居然没标记

豆瓣 7.0 IMDB 6.5 开始.BD1080高清中字版

დასაწყისი

2020

剧情片

法国

开始
დასაწყისი

豆瓣网友的评价

#2020最后一标-732部达成# 戛纳2020片单+圣塞4项大奖。7分。可能是今年最红的处女作，以及很有可能是正常年份戛纳主竞赛里那部处女作，和金摄影机的有力争夺者。慢电影的路子，其实在我看来除了与香特尔·阿克曼和卡洛斯·雷加达斯有关之外，夜景以及很多调度上的处理很可能是受到了佩德罗·科斯塔以及阿尔伯特·塞拉的启发。画意摄影，很多场景调成了莫兰迪色，有着严格的对画框及画内画外空间的使用，构图上其实还cue到了帕夫利科夫斯基，使得视觉上很成体系，但是，匠气太重了。声音设计看样片听不太出来不过也相当有意思。宗教议题和国家机器议题被统合在性别议题中（不过似乎没有什么历史指向？），其实也没有深挖耶证会的问题。
形式与内容的完美配合，成熟得不像是处女作。影片全程采用4:3的方向画幅，逼仄的取景框给观众强烈的窒息感，通过这样的镜头，导演全方位冷静客观地展现了保守的宗教生活与严苛的男权社会对女性的压迫与摧残。男人犯的罪让女人来赎，一个被骚扰、被强暴、被误解的女性在女性被压迫与人性被异化的基础之上，上演了另一出彻头彻尾的悲剧。
与因太过感性而遭人诟病和嫌弃的《少女佳禾》不同，女性的困境在影片的《开始》就以一起精心策划、组织和布置的极端暴力事件闯入我们的视野。导言式的第一幕正在发出警告：这种权力上位者对下位者经验性的侵害乃是理性中心化的结果。所以，理性自身无法帮助我们回到安全的秩序堡垒里去，不受监管的权力只能带来进一步的混乱和新一轮的伤害——直至最终的战火将我们焚化成粉末。作者对于这个恶心又恐怖的底层逻辑分析得非常透彻：男人对女人犯下的罪行，通过理性解析，听上去，好似是妻子的失职导致丈夫受了奇耻大辱。这种狗屁不通的歪理邪说把女性长期困在一种逻辑闭环当中。比较可惜的是，这部寓言体作品本身就是在用理性思考问题，它忽视和低估了不可见的感性力量。因此，本片并不像《前程似锦的女孩》一样，是一部通过智慧来反抗理性中心主义的作品。
#TIFF# 今年看到的最优秀的一部处女作。团队配置强大，整片轻盈却压抑，固定机位摄影、构图、声音与音效的运用巧妙且灵敏，宗教、文化等传递出了时空的流动感与层次。（声音电影、结尾超现实融为岩石、还有年度最美的片段
只要镜头足够僵死，哪怕人物的眼皮动一下，都好像在发送摩斯密码。滥用奇观、生造舞台，和《新秩序》一样，为如何将复杂的议题肤浅化，再将肤浅的表达煽动化做出了标准示范。
就这……到底是谁吹起来的。
#Tiff#固定机位和强烈的复古气质映衬下有种强烈的表达欲，对与导演来说用宗教意味包裹着一出人性道德故事是非常有意思的，可惜个人感觉还是力度不够。但结尾的方式却让人心之一颤，Heaven or hell？
大可不必，生动诠释了什么叫“戛纳商品”。
7.9/10，#NYFF2020
只关于女人的开始和女人的结束。观看《开始》的最好方式是跟随女主一起闭目躺睡、一起沉思感受，超长的固定镜头造成有时逼仄、常常压抑、一直静谧的临场感。环境声成为主角，人物（女主）的情绪不露声色却又很是猛烈，但无论身为女性的包容、承受性有多强，都无力抗衡她所面对的（）困境。总的来说是极度彰显风格的处女作。
#68 San Sebastián 主竞赛第七场# 第一部满分电影，圣塞来值了！看完第一时间搜导演，怎么能拍出这么棒的作品，金棕榈级别的呀，惨烈程度不亚于《不可撤销》《DAU》，政治隐喻可做教科书，鉴定完毕，马上去记者会！
作为长片处女作真的挺令人惊异的，当然也有处女作想要表达很多东西的倾向，但神奇而微妙地hold住了，且不是自传体且有非常fresh的视觉时刻；看到说导演哥大毕业也并不很能解释这样的表现。视听表达上似乎有很多大师影子的样子，但都稍纵即逝，最终显现的还是她自己饱满真诚的东西：难得的复杂而不失真的女性角色，不走女性主义运动approach的情节走向，女主只是作为人类一员，承受也伤害；自然中的身体，想象中的复仇（这点突然戳了我一下，因为我也是从小厌恶一个人就自己想象把ta踢出地球，然后就爽了）等等。综上，再加上导演说她17岁之前没看过电影，后面又狂看；就感觉她是属于纯真天赋型创作者，所以甚至找不出她模仿的痕迹，她把看到的东西都片面而自我地内化了，然后本能表达，酱紫还是很厉害的（有点像瓦尔达。
摄影构图蛮对味
涉及到国情和宗教，要想理解本片确实有些困难。女主yana是当地一个东正教教主，好像可以这样称呼，的妻子。她的生活完全遵循教规教令，并严苛训诫自己。但东正教在格鲁吉亚只是个很小的教，这也才有刚开始教堂发生意外，警察也只是随便处理的内容。alex借用侦探身份打开yana内心的锁，按照映后导演说法，这是一次坠落天堂的行为，到底对yana有没有好处暂且不提，就丈夫的表现就可以看出整个家庭端倪，何况alex对yana进行了强暴。导演说为了尊重女性，涉及到很有冲击力的段落都是用远景去拍摄的，尽量降低冲击力和对女性的二次伤害。想想也对，如此多冰冷生活的写照，不由得怀疑教会中对于人与人性束缚的正义性，这块影片做了很多很复杂的情节设计和思考，分布在电影之中，也在电影之外。结尾比较超现实，意外之中又有点解气，挺有趣的。
4：3画面的牢笼意味，世界共通元素：更多社会学心理学层面的探索，以女性权益创作切合的当代情感；相对的东欧风格：出自艺术理念的电影表现形式、基于传统的场面调度、宗教背景，把（极权式）意识形态隐形的用欲望表现
如果今年戛纳评奖的话很可能拿个金摄影机奖？全片都太窒息了。固定机位非常成功地传递了那种压抑无力感，镜头长度长的刚刚好。女性承受的暴力何止源于性侵者，丈夫有意无意的PUA才是最为致命的吧。
第一镜太厉害。大量固定镜头就如教义的条条框框，在可见的范围，限制人物的交流和行动。而当越界的心理发生的时候，就伴随着横摇的出现，但似乎设计得不够精巧。套用Abraham杀子的故事，不知道是复证教义的笨拙还是借以展示反抗的抓手。自然声效十分强大，使得整部电影都安静得可怕，一如我们现在的沉默。
❌，我只想对戛纳2020官方片单说一句：我累了... 基本上都是一些一般的作品，甚至更差更烂的作品，本片无聊至极，自我吹嘘，毫无意义的作品...
年度观影最佳，TIFF 2020 最佳。这竟然是女性导演处女作，这个应该得金摄影机！克制的观察，艺术性的处理，在家观影很大程度折损了电影的魅力。但是挡不住导演构图和大胆的拍摄方式。太精彩了，这是一部需要观众一起浸入的电影，真正进入这个视觉体系，你会察觉画外的空间和时间流逝的速度，都在这部女性凝视的电影了。
开头对话里写的一点绝望的无效沟通很精彩其余部分比较反感（nicolas jaar拯救了片刻）/ the flying horses

豆瓣 7.8 IMDB 4.8 HD中字

親密さ

2012

剧情片

日本

亲密
親密さ

豆瓣网友的评价

语言是承载想象力的电车，而人与人之间的种种际遇，相逢与离散都是幽微而沉默的诗。我是你无暇处理的一则资讯，共赏过后的一支残樱，无处投递的一封情信，闲谈漫步抵达的黎明，或者，在反向的电车上，所有战争和暴力都退后，欺骗与厌倦都消失，期待下一段旅程的同行。
@Metrograph. 啊对滨口无言......他的电影都太......有魅力了，会让人爱上里面角色的悲欢和谈吐和姿态。这部的台词和剧作没有欢乐时光黏和得那样好，文字有一些浮于表面，但是节奏处理掌控(尤其后半段)好像又强于欢乐时光。从这部到欢乐时光再到夜以继日能感觉到他在有意识消减"文"的比重，我认为是好的转型。
男主在前段处于无间亲密的风暴溏心，索性就在后段把自己写成舞台上一股幽怨的离心力：角色表面是人际的中枢，实则无力扰动任何一片关系场域，结尾与变性者合居，也是弃绝性别纠葛的一次隐性示威。女主尝试与原定演员建立亲密关系，即将自己的影响施加于男主虚构的示威而无果后，就彻底在角力中败阵。观众席上，她看到男友被动却完美地为“示威者”赋形，见证了一次失效的介入，便明了自己只能疏离如局外人了。而当男主投身战争，完全抽离后，反而能凭借这场更宏大的虚构再一次开始重构关系，直至往日的负重也变得轻盈，亲密便得以在分别的当口达到饱和。片子观感太曼妙，以至于回过神来想想，又是一次导演惯常表现的男女fort-da游戏罢了。
现实层面与戏剧文本的联动与互渗，人物与角色之间主动或被动的改写与迫入，他们在创作过程中逐渐发现自身的勇气与恐惧、隐秘的弱项和欲念，在调整剧本的同时也在摸索着生活的方向——两段结尾都太棒，全片最高光，从暗夜走向破晓熹微的长镜，驶向不同方向的两列列车上有我们隔着两年的召唤，怎么能拍出这么又自然又浪漫的桥段！两段「映照」效果明显，前段中所提及落实于后段——北韩政治形势/征兵与暴力的呼应，两两问答练习正是舞台群戏结构的来源，关于恐惧的讲座是饱含感情倾诉的前声（每个演员的表现都非常动人），言语是灵感驱动的火车，是触摸灵魂的手；舞台调度的设计极为匹配所谓「亲密」关系结构，直视观众的隔空交流，背对摄影机的角度，这个有限空间兼具了间离感与沉浸感。
导演对手相、男女关系有很深刻的执着。还有女朋友给男生脱袜子这个细节有执着
L'Amour Fou和Out 1的配方，排戏+戏+政治大戏。内景卡萨维茨，外景黑泽清。卡萨维茨经常迫冲胶片，撕裂连续性，维持注视的强度。滨口则任其欠曝，有点丢了强度，在《夜以继日》里光的流动更好。
已经很久没有看完一部电影后，有这种半天缓不过来的感觉了。前55分钟进入很慢，后200分钟却完全身心沉浸。登场人物没有一个算是美女美男，他们的表演也谈不上专业，但他们的反应却非常的魅力动人。（是不是因为英字幕欠精准，影响了imdb上的评分。另外，还有一个1小时左右的短版本。
可以是可以，但真的没必要。（最后一幕再喜欢也无法原谅）
七星。或许不是滨口最好的，但确实是他走得最远的，没有这部不考虑结果的反复实践和磨练，就没有后来的《欢乐时光》和《夜以继日》。但也基本确定这片不适合现场观影，就像那部戏其实并非为现场观众准备的一样，因为滨口要求我们时刻用最高的共情力和专注力来吸收演员的情绪，并在他们游移的微妙里呼吸，因此观众无疑被要求与演员不相上下的体能和注意力。看滨口电影最大的乐趣也就在这里，故事什么走向根本不重要，台词再多也只是通向“不可言说”的钥匙，重要的是演员，他们生活在一种“高浓现实”（ultra-reality）的情境中，这里的一切都过于戏剧而不能被看作日常，但又高度忠于直觉和身体而不能被看作虚构，演员的可能性因此被无限开拓和延展。但这不就是电影吗？它看似吸收了所有，却始终游离在它们之间，之后，之外。
我真的太爱中间那个戏了……而且演员真的好自然啊，这套表演体系根本不是为现场观众准备的。其实说中段ntlive也是不太准确的，滨口龙介还是重新结构了戏剧和舞台空间，尤其是两个人面对观众说话的时候，演员直视镜头对话，空间仿佛扭曲折叠起来。如果说戏剧所呈现的是一种假定性的虚构，摄影机则在最大程度上把虚构还给了现实——且不说在这之外，还有一层导演和编剧的关系。
公演前的两小时，不乏“在对话中从黑夜走向黎明”的高光时刻，但整体还是拖沓和抗拒观众的，虚构的战争情节和对战争的探讨也不明所以。尽管占据后半篇幅的舞台剧本身很精彩，但还是令人质疑这样的拼接方式是否能称为电影。至于最后五分钟，如果有影史最佳结尾评选，我会投它一票。
啥日常啊,两小时话剧我也是醉了
tag:日本，2012。滨口表演论的完美体现，对非职业演员的提升堪称神奇了（所以滨口这个表演论绝对是影史级别的突破啊）。也是《驾驶我的车》里排练-演出的元剧场模式的首次大规模展示。不过这个片长无异于自杀行为，这得多有耐心才能把4个小时看下来……所以《驾驶我的车》能这么红，恰好是滨口在狗血情节剧、超长“元剧场”中间找了个相对平衡点（而且实话说也挺长的……）。上部那个18分钟长镜头虽然技术有瑕疵但是真的也是神迹一般，以及下部结尾的电车戏也真是浪漫。想看那个136分钟版本了不知道是不是简练一些……
亲密会生成吸力还是斥力？骆驼、海鸥、邮件、信、火车、桥梁，我通过什么，才能走近你，到达你？也如言语描述意义，总在若即若离间，却无法安然落稳。这部电影于生活层面是在描述情感，于诗的层面则在思考语言。其实比起第二部分的“官摄”版原样封装的戏剧，我反而更喜欢第一部分的“花絮”。一般来说，我们通过幕后、通过花絮达成对作品的理解，花絮是言作品是义。但当作品与创作过程同时裸裎目前，究竟何者为言何者为义，得意忘言要达成对哪一部分的理解呢？我喜欢第一部分的结尾，他们谈着语言与火车的比喻从夜走到破晓的长镜。对第二部分的结尾，不知说什么话好。
应该说是一种“坚硬”的调度吗？镜头总是在极近与极远间跳跃，似乎围绕着人们所组成的（亲密）关系只会造成完全弹性形变，人们只有对撞、环绕、悬停——人们做着行星一般的运动，摄影机做着宇宙探索一般的运动（比如结尾突然跳到很高的远处又再度向站台拉近）。“语言的列车”被男主角提出来，却被女主角内化为自身，她可以在遥远处准确地对着载有男主角的列车挥手，也可以随时在车厢内穿行找到男主角，1小时27分左右那个列车穿过脑海的特写镜头也无疑昭示着她“被动的”主导，于是后半部分话剧的镜头组合与调度也隐含着她的意志（因为男主角后来不得不重新扮演角色，她便成为了唯一不在场的在场）。即兴被控制在可被辨认的范围内，整部电影的运作依循着更高的意志和逻辑，这之间的角力也同样“坚硬”，滨口龙介不会滑向任何一边，他只需要看着一切发生
沉重的躯干，轻盈的尾巴。
至少半部以上高浓度的Cassavetes. 开场第一幕就借男主之口建立了“语言”的皇位（“重音”论和男主的铿锵语速），之后语言在整部片子中不断充当道具充当调制解调器，语言松散成谈话的碎屑，或者凝练成诗；诗从未以如此自在的形态幻化于文本之中。（而且这些诗写得都实在太好了！）男主角像机关枪一样把关于“暴力”的诗词喷吐出来，铿锵铿锵，咄咄逼人。镜头向他的脸和他的嘴无限逼近，环境声渐趋稀薄，语言—语速—语调—影像四位一体，构成了瞬间加速膨胀直至峰值的节奏压强。感觉这片在形式、文本和制作规模上都直接影响了《冰淇淋与雨声》和《夜空蓝》两部，像上半部收尾的那个“黑夜走向黎明”的超级长镜头，绝对是只有低成本拍摄才能产生的神迹。
四个多小时冗长但不乏味一旦进入逐渐酝酿起来的情绪后。电影排演舞台剧部分和舞台剧内外的主题表达契合。独立存在的个体无人能从生活里找到真正了解另外一人的缺口发出家庭关系是否可以重建的质问无法与他人建立真正关联的现代人际关系。这一表达在《夜以继日》里仍被贯穿。通过舞台剧的排练过程也不断践行通过不停对话和剖析自我达到了解他人的目的。呈现电影时间对等现实时间的处理方式一镜从头跟到尾祛除电影语言的虚拟性放大了它容纳真实情绪流动的丰富性。舞台剧部分通过想象空间转换完全浸入人物状态和情绪恰到好处的“间离”提醒建起了第四堵墙。舞台剧里的男主说“凡事都会渐入佳境” 本片也同样渐入佳境直到剧里剧外都接受真实的自己而后主动去爱才能被爱。
超级流畅，每场戏都为上一场戏提供解释，为下一场戏抛出悬念，前后两段的收尾都漂亮得堪称神迹（虽然上段的破晓长镜头实在太暗了），舞台剧部分的剪辑也出神入化（尤其兄妹隔空对话时全景特写交替的“正反打”），更何况我对这种带Docufiction性质的片子一贯缺乏抵抗力，纠结了一下还是觉得五星给得不虚。
应该是山手线和京浜东北线，最后这一幕实在太加分。总体感觉还是现实部分感触人的地方比较多，当然舞台剧里想说的也很棒，但只能专念于台词多少有点看的人烦躁。

豆瓣 7.2 IMDB 6.7 HD中字

バンコクナイツ

2016

剧情片

法国/泰国/老/日本

曼谷之夜バンコクナイツ
バンコクナイツ

豆瓣网友的评价

以曼谷的一个日本人聚集区为切入点观察当下的泰国社会，不过拍得比较散。导演（及其团队“空族”）自编自导自演，十年企画，做了大量社会调查（包括タニヤ通り，isan现状，当地歌谣等等），然而议题与阿彼察邦多有重叠（导演在自述中也有提到），而且难免被“他者”的视角所局限。@シネマテーク
直到看到蛇神的那一瞬间我才相信这世间的确是真的，paradise is hell，反之亦然，就这样静静地做一个旁观者吧（SIFF2017@天山电影院）
虽然看似简陋但是形成了特殊的一套影像系统，习惯以后逐渐体会到弥漫着的靡费而温暖氛围，不仅仅是环境更是人物的语言和行为方式。镜头只是简单静卧一旁成为表达媒介，而在浮夸的表象后面则隐隐闪烁着某种直觉的暗语。不像日本电影，却是在观感上和阿彼察邦风格贴的最近的一部作品。
娄烨在法国拍的是法国电影，富田克也到泰国拍的是泰国电影。这个“伪”纪录片讲的是泰国人眼中的家，日本人眼中的自己，以及外乡人眼中的大都会：对于泰国小姐和日本皮条客来说，曼谷不是家，只有红灯区到住所那么一点点空间。女人操着南洋口音的日语来伺候嫖客、赚钱养家，男人操着大和口音的泰语隐匿在热带，在满足物质需求之余遇到类似爱情、接受灵魂拷问。有一天他们回到了女人在老挝边境的故乡，听到了东北民歌，认识了借酒消愁的white trash，还偶遇赤色诗人Chit Phumisak的鬼魂。看这个电影就像梦到回家，虽然不知道到底是谁的家
#SIFF20#橘色的夕阳落入河水，转瞬升起一座熙攘的暗色天堂。关于妓女，吸吮毒品，谈论性。从曼谷到廊开，漫谈的话题还包括金钱，历史与战争。地域与城市与语言的魅力在这片昏热的东南亚土地上铺设开来，燥热的欲望肆意弥漫，潮汐吞噬爱情，漂泊的灵魂抑制不住孤独和迷茫，于是便就在此处生生不息。
剪辑很是跳跃，多人物多场景间不断切换且有时每个段落极其短暂，缺乏过渡，这给观影过程带来了一些困扰，但作为一个弱化故事强调生活细节与片段展示的电影来说也并不致命。一个描写红灯区打工人生存状态与家庭状况的“人道主义”式故事。女主来自穷困的老挝乡村，在曼谷红灯区坐台赚钱并希望在曼谷拥有一席之地。她在曼谷的灯红酒绿、搔首弄姿与回到老家时对家人的强势和教导都是一个典型的底层打工人物写法，所谓“家里老大、顶梁柱、最会赚钱的人、全村希望”之类。男主去到老挝后有一个航拍一片满是弹坑的平原并配上轰炸声的画面让人印象深刻。女主是老挝奋斗人，男主是日本奋斗人，一个是夜总会公主，一个是街边揽客者，两个异国人底层人的贫穷感情在这个灯红酒绿、挥金如土的环境里显得格外温馨，却也很是无奈。另外涉及了一些战争与殖民问题。
【SIFF·2017·第四场】导演有一颗体察人间疾苦的心。众人围坐在老挝的弹坑边，战争、殖民主义的伤痕至今依旧，贫穷也依旧。这些都变成了无形的绳索缠绕着Luck。只是三个小时似乎更多在珍惜创作机会一样，感觉还是多了许多，历程并不轻松。也或许年轻的我，确实还不能完全明白这样的语境。
4.5，对于一个异乡观看者而言，片名以及B级十足的招贴画海报都呈现为一种先声夺人的诱惑吸引，这种奇观目光摧毁于性工作者的日常对话，一种曼多萨-阿克曼式日常，《曼谷之夜》将一个红灯区“爱情故事”融化于三段程的泛东南亚之旅中，主人公小泽被富冈放逐，前往老挝的谵妄之欲实际上是对东南亚之创伤的被迫溯洄，但必然是失败的。廊开是鬼魂的滞留之地：美泰混血Jimmy，如同林奇电影之中的人物Chit以及法国——曾经印度支那宗主国的贪图享乐者暂时停留在这片时间之中，深夜的树林中充满士兵的游魂野鬼。在“本土东南亚导演”阿彼察邦的作品中，人物从乡村进入丛林中的精神性，而对于富田而言仅能到达一个异乡人的极致：后殖民景观，田野调查般的精准信息，狂轰滥炸的泰语音频，返照日本之现实，以及导演青年时期的暴走族迷梦。
曼谷的被抽去全部密度/我只能匍伏摄影机旁不敢呼吸：这些后景掠过的人和物件是种虚弱的化身——失去纵深的异地。端坐在视线里的人都是无力的,可笑的是“他”的注视都被密林所抗拒：夜景的谜底是药物与酒精, 圈养着只可行走肉身(泛紫的破晓时分)扼住剧烈的隐痛/成为他者也无法逃离殖民的地域-又何止于空族的暗语.
【上海电影节展映】惊喜佳作。三小时的叙事节奏散漫，但极为生动地展现了曼谷红灯区内的性工作者的奋斗与迷惘，仿佛置身其中。看到了女主与日本皮条客的复杂关系，与屌丝客户的慰藉关爱和乡村风土人情，甚至也有对东南亚殖民历史的思考。非常好看。小成本众筹制作，十年构想，素人主演，成果惊艳！厉害
充斥着暹罗抖腿音乐和神来之笔，amazing～三个小时暗中观察前排拿赠票的叔叔阿姨大多既没睡着也没离场。某些相近处比起来，凯里小毕就黯淡多了。
伪纪录片的手法中穿插着剧情片拍摄模式，导演将历史模拟为这种模糊混沌的视角，以此来审视当代泰国与不停穿梭其中的边缘身份者，包括以日本人为代表的不同身份的他国互斥者。大量的社会调查让电影散发出相对浓厚的「学术性」，比如美泰混血弟弟的人设、被过去束缚的法国醉汉等，不少观众便自然沉醉于不同的人物关系及其背后所代表的政治属性，再加上由被日本和曼谷拒绝融入的小泽所牵引出来的视角，「他者」的视角平和地融入在了叙事中。但这种「他者」视角并未得到延伸，只是进行了一次主观性的视点观察。
有些段落是好的，素材的多留少弃使得作品具备了更自然亲近的原生气质，却并没有生命力，也拖垮了完整性和节奏感，虽然在这个自由影像的时代传统规则似乎并不重要，拍摄也可以围绕着主题而破碎化。繁杂的虚弱线索为梦幻时刻的出现储备了足够的精神注意力，但最终落脚点仍在人物，且是用空间的圆满布置而回归“结局”的人物，外来者对景观与角色的人为摆弄背负着无力挣脱的“情节”原罪，感知由单一的“人”发出和决定。
20200118想看
「堕落天使」。
素人，松散，伪记录
Bangkok cocks
可能是因为视角新鲜独特，觉得很有意思，拍的不错
这也能拍成电影啊？帝国落幕，战后民族国家痛苦挣扎，历史的机缘让一个来自泰北一个来自日本分别各自都是全村的希望的人在曼谷红灯区相遇发生一段感情纠葛，人鬼神都请到，男女狗都有镜头，故事片和纪录片之间难以区分，但是浓浓的哀伤倒是非常强烈。毕赣技术熟练，相比之下就是格局小了点。
#BIFF# 富田克也的小制作。在后二战、后殖民的历史语境下展现曼谷红灯区里一个日本男与泰国女的故事。拍得比较散漫，但也有不少出人意料的段落，配了各种各样古怪/意外的音乐，从民歌、pop到rap……

豆瓣 6.9 IMDB 7.1 HD

Ixcanul

2015

剧情片

中国大陆

火山下的人生
Ixcanul

豆瓣网友的评价

妈妈角色挺有意思相信科学内心里住着个气象学家~ @FestivalduNouveauCinema
柏林电影节目前最有诚意的影片：全片最动人之处在于一触即发的家庭风暴如何转变为紧急亲情。在更深的层面上，导演将自己成长的文化展现为原始信仰的诗意监狱，从片头就通过厉声呼喊的无济于事建立起人与兽的通性，更以一系列自然声代替配乐。女主角驱蛇遭险而最终走进无法交流的城市文明充满讽刺。
剧作很工整，就这个故事本身来说它更值得挖掘的是从第二幕高潮开始一直到整个第三幕结束的部分，这些冲突强烈的段落对传达影片主题会有更加明显的作用，然而创作者看重的更多的是这之前的段落，他在那里浪费了太多时间，冗长的镜头中单薄的镜头语言削弱了矛盾的张力，无法支撑起之后冲突爆发的段落
女孩曾以为自己有特异功能，作为一个母亲，她能依靠直觉挖出棺材证明孩子尚在人世；作为一个女儿，她愿凭借母乳驱除毒蛇避免家人流离失所。后来她确信一切只是徒劳，追不回恋人要不回孩子，盛装嫁给一个不爱的人，如同砧板上待宰的猪。闭塞的村落无法相通的语言，火山灰埋葬了她的特异功能和全部人生。
落幕那一刻她头批婚纱，俨然一座无言的火山。
#柏林电影节#又是法国人资助的满足西方人文化包容性优越感的电影节特供电影。镜头语言贫乏到只有直白叙事功能。连风景都乏善可陈。直到最后十分钟，故事才擦出一丁丁戏剧性。
火山少女穿着那件白连衣裙黑长发披下来趁着棕色的皮肤别提有多美了
电影比电影里的生活还难熬，甚至火山都没给出全貌。落后、迷信、原生态生活，纪录片式的流水账。最后将封闭地域与现代社会勾连起来的感觉很像“邮差的白夜”，可惜草草收场... 银熊安慰奖？
看似殖民主义消费，但母亲形象强大真切到令这种质疑颇为廉价。
大多数镜头都是文艺片的标配，除了少数几个很侯孝贤
从被蛇咬开始拍之后会如何展开，可能会好一点....现在这个版本，浓重的外来人视角，剧情又重心失衡，只能成为一部优美的、合格标准的第三世界影展特供片。
一定要坚持到最后！前面大部分确实没什么亮点。
將故事背景放置在蠻荒遠離文明的世界，似乎就可以將當下「人權」的故事重新敘述，或者可以把女孩的抗爭作為某種自覺的「天賦」——當然最後不得不屈服于命運與其說是「傳統」的壓迫，不如視為一種任何情況下的常態，母親因為女兒的受傷被迫接二連三進入現代社會後的惶恐、期待和焦慮，似乎更為重要，壓迫著似乎也是某種破壞者的先聲。
返看你国，亦。甚至更！
太简单了。银熊？，，，。。。
一种贾樟柯式的反胃感。看这种片儿的时候最能感受到自己跟身边的欧洲人的巨大文化差异。很害怕自己的孩子会像他们一样对农耕文明和养育世界的土地感到完全陌生。
观影清仓期，看过留脚印~
一位卡齐格尔族玛雅少女的日常之世上只有妈妈好。片中有几个镜头确实很有文艺范儿。如果以了解南美洲土著文化为切入点，《蛇之拥抱》更加深邃、悠长。
中美洲风情，不动声色，生活小品。
浮木与盲龟