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    白丝带 Das weiße Band – Eine deutsche Kindergeschichte (2009)

    最近更新: 2025-04-24 正片

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    影片开始于小村庄里发生的一系列莫名其妙的怪事:先是本地医生在骑马回家的路上,被一根绳子绊倒,而且受了不轻的伤,然后是地主的儿子被人捆起来拿鞭子猛抽了一顿片名“白丝带”此时登场了,它意味着纯洁和无罪,却更是屈辱的象征,那些被怀疑跟这两件事情脱不了干系的孩子必须戴上它,以时刻提醒他们,他们背负了深重的罪孽,需要净化心灵。理所应当的,报复性的暴力事件接踵而至

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    • 豆瓣 8.5 IMDB 8 高清
      Angst essen Seele auf
      1974
      爱情片
      德国

      恐惧吞噬灵魂

      Angst essen Seele auf
    • 豆瓣网友的评价
      • 我和别的女人睡觉了。   这不重要,一点也不重要。艾米说。   我不想找别的女人,只是感到非常不安。   你是一个自由的人。你可以做任何你喜欢做的事情。但是我们在一起的时候,应该对彼此好一些,否则生活就没什么可留恋了。   我很爱你。   我也爱你,我们在一起,就什么都不怕了。
      • 绝望中,两个孤独的灵魂在反抗。萨特说,人的主体性和人际关系的交互性是一对矛盾,对交互主体性的探讨越是深入,人们越是陷入困境,越是感到受压抑的痛苦。所以法斯宾德借阿里之口说,想的越多,泪水越多。还有二战后的德国仍然有种族主义,仍然认为别的民族是肮脏下等的,即使大家同样被生活吞噬
      • 只有当被排斥的时候,他们选择紧紧相拥。人本质上是孤独,都是与此作战,战友不同。
      • 估计阿基·考里斯马基受其影响很深,主题先行是简约主义的天敌,所谓张力因人而异。男主是导演的男友,男主的女友是导演的女友,导演是双性恋,他在片中扮演女主的女婿,这个八卦比电影更有意思。
      • 在我看来,法斯宾德1973年的电影《恐惧吞噬灵魂》里的 Emmi 比绝大多数人都要通透,开阔和浪漫。她60多岁了,大半生从事清洁工作,清贫而居。身处的环境并没有让她失去自我的开放性和反抗能力。 偶然遇到Ali 后,迅速陷入了这场饱受亲邻排斥的恋情,坚持用自己的风格处理跟外部世界的关系。 在旁人冷嘲热讽的热恋中,她脱口而出“我们可以买下一小块天堂”,这个灵魂是诗性的。即使遭遇变故,她也绝不会把自己放在受害者的位置,“你是个自由的人,我老了。你可以做任何你喜欢做的事情。但是我们在一起的时候,应该对彼此好一些,否则生活就没什么可留恋了。我很爱你。
      • 男主角是法斯宾德情人。。后来我忽然想到,其实老女人艾米就是法斯宾德自己,其实是一样的。
      • “我们好有钱啊,阿里,我们应该去买一小块天堂。”
      • Arte大概大前年还是前年播的这片子,有两处镜头给我留下了极深的印象:其一是在杂货店买东西时,摩洛哥人说的德语他们故意装作听不懂,后来艾米生气下来理论:“就是因为他是外国人才故意说不懂,而要是德国人他们就懂了”这样的种族歧视;其二是最后摩洛哥人病而如死,片子在无奈中结束.别的忘了
      • 法斯宾德是先知者,他在四十年前如此敏锐地捕捉到种族偏见,民族疏离。情节剧以小见大,折射出今日德国乃至整个欧洲的社会顽疾。
      • 相比《深锁》《远离天堂》的细腻,这部更多的是孤独,两个本就是边缘的人,走在一起必然遭到更多的抵触。而这种抵触往往是没有来由的,它来得莫名,去得更莫名,因为这本来就只是因为人们对周遭生活有太多的恐惧。法斯宾德本人竟然还客串了,我没忍住给笑场了。。。
      • 与你相拥,心就不再孤独,简洁的叙事与布景,衬托着百无聊赖的生活,大量景深镜头凸显人性的狭隘与冷漠。法斯宾德的这部电影关注的不仅仅是受到种族偏见影响的人群,而是整个带着深深恐惧感的社会~
      • 歧视、偏见与冷酷最终让位于利益,被排挤的受害者翻身后又来迫害新的弱者。写实的镜头语言和简洁通俗的剧情,深刻而精彩。法斯宾德的机位构图极佳,不少以门墙窗棂等障碍物包围主角的远景固定长镜头渲染了冷漠疏离的气氛。片头酒吧的纵深感、踢电视机前的慢摇特写镜头和楼道八卦场景绝赞。(8.8/10)
      • 一个人能否完全的不畏世俗的眼光做他想做的事?一个人能否为了自身利益完全遮掩自己的厌恶?人的本质是孤独的,而偏见和傲慢也是不由人的,好在我们相爱的此刻可以跳一支舞。哪怕你不爱我,哪怕你爱我但不接受我的世界和食物……时间会治愈这一切,哪怕最后我们的爱看起来不那么美好,但也不那么难堪。
      • 开始以为是爱情故事,后来发现是移民问题,再后来变成了种族歧视,最后竟然回归到人性丑恶,甚至反过头来开始质疑爱情本身……阿里被迫展示肌肉之后,艾玛轻描淡写说了句“他有情绪,这是他们外国人自己的心理”,此一句真是永远的伤痛。最后的胃穿孔更像是对艾玛的惩罚,或者说是对爱情的。
      • 有些时候,法斯宾德刻意用矫饰的视觉形象来表达某个观点。他经常用交替的长镜头把艾米和阿里跟社会上其他人分开:首先他们离得很远,然后那些看着他们的人也很远。他让两人挤在双人镜头里促狭的房间中,在摄影机前利用摩洛哥人天生的拘谨,来描绘两个在冷漠世界里互相关心的人。
      • 8.5,开场不能更好了,如此的简单如此的酷,只有法斯宾德能拍出来的电影,叙事当中对种族讨论的意识形态并没有成形得过分并一直延续至结尾而沦为三流的类好莱坞种族歧视谴责议论片,最后,法斯宾德的机械感实在太迷人了
      • 法斯宾德有那么好懂的东西真的让我太震惊了,简直不像他。这部电影的核心是孤独,两个人共享一份孤独时,它甜蜜又厚重,但是外界再次向你示好,你抛弃了它关系也就不复存在。所以,叶子唱的好,孤单,是一个人的狂欢,而狂欢,是一群人的孤单。人类社会的基本组成就是个人的局限性,它本质上就是剥削的
      • 延续《卡策马赫尔》的排外主题,冷漠社会里,偏见和刻薄才是吞噬灵魂的元凶。布景的撞色令视觉鲜活,却温暖不了两个孤独的边缘人。外部压力内部矛盾络绎不绝,纵然法斯宾德难得温情地用开放式结局来避免主角境遇的进一步恶化,他们之间跨越年龄、种族和阶级的爱情自始至终都弥漫着窒息的无望感。
      • 4.5。第一部法斯宾德。乐观得现实,通俗得高级。探讨了诸多当代电影习惯性回避的隐蔽/延展面,首当其冲即立场的正确决定不了实现轨迹的“正确”。真正引发隔离的不是种族或身份差异,而是即便偏见缓解也不能及时改变的社会语境;当站在世界中心呼唤爱的理由是爱而非呼唤欲,方知幸福和快乐并不总相随。
      • 温情的出乎意料,这是法斯宾德吗?
    • 豆瓣 8.3 IMDB 8.1 正片
      The Third Man
      1949
      剧情片
      英国

      第三人

      The Third Man
    • 豆瓣网友的评价
      • 又看了一遍。他妈的,最后一个镜头怎么能够拍得这么好?好到汁液四溅啊。
      • 四国势力的对立,地上地下的对立,甚至意识流和通俗的对立。无处不在的对立导致单一与匮乏:拥有百年和平就没有文艺复兴,试图睥睨众生须泯灭博爱人性,扶稳道德天平却痛逝今昔深情。正像电影配乐里齐特琴激越无奈的单一,又如最终长镜那不平衡构图所营造的匮乏,这就是人类亘古不变的困境【10】
      • 特别特别好看,考究的构图和倾斜镜头,对称的讲究:Anna和警长,Harry和Holly,对与错,爱与正义。单拿出来看,每个人都可以是第三个人。剪辑烘托出的疑神疑鬼的维也纳,奥逊•威尔斯刚出场的一笑,伸出井盖的血淋淋的一双手,还有最后一个怅然若失的镜头。真的,这部电影有无数种解读的可能。
      • 推荐104分钟的版本。这算哪门子黑色电影,明明是个文艺片嘛!
    • 豆瓣 8.7 IMDB 8.0 正片
      Werckmeister harmóniák
      2000
      恐怖片
      法国

      鲸鱼马戏团

      Werckmeister harmóniák
    • 豆瓣网友的评价
      • 诚然,作为一枚非电影专业学生和从业者,我看电影的初衷就是为了逃避现实。 记着曾有电影专业导师云云:不招那些阅片量颇多的学生,因为破坏了深入学习电影的懵懂。 但私以为伴随着岁月的流逝,数量的与日俱增,好似摸到了“熟读唐诗三百首,不会做诗也会吟”的门径。 摸到了一部电影浅层可能所要表明的语境,深层所有探讨的历史,哲学,文学,宗教,人性等等。 就像儿时看赵本山,周星驰,陈佩斯,长大了看巴顿,金凯瑞,憨豆先生。 刚开始只是捧腹大笑,慢慢地若有所思,再然后泪眼朦胧。 再如长镜头和分镜, 刚开始味同嚼蜡,慢慢地食之有味,再然后心有灵犀一点通。 你走过的路,经过的人,都会在某个时刻和某个片段堆叠照应。 电影给了我不止三倍生命,还有光,还有梦。
      • 四星半;末世寓言,和后来的《都灵之马》在主旨上贴近;以鲸鱼之目冷眼旁观众生,一切废墟终将重建,一切虚幻终将覆灭,一切罪恶终将惩戒,一切暴行终将得到原谅,在黑暗和尘暴中隐现的世界;长镜内的调度圆融自然无痕,画框几乎消失,布光绝赞(细看其构图更妙),配乐肃穆沉静。
      • 有些电影是用来娱乐的,而有些则会让人对电影这门艺术肃然起敬,塔尔的鲸鱼马戏团理所当然是后者。140分钟只用了30几个镜头,在长镜头的使用上,塔尔有着超越所有前辈的野心,显然也有这个能力;冷峻的超长镜头,完美的场面调度,深沉的配乐,充满隐喻的主题,塔尔在努力还原着电影的本质。
      • 暴乱那场戏大概是我看过最震撼的电影场景之一,长镜头不留痕迹的调度,不可思议!
      • 只是觉得开头一段的公转与自转诗意非常。
      • 偶觉得这是新浪潮对长镜头的一次影响,你可以长镜头,但是刻意而为之就不好了嘛,里面摄影真的很棒,前后呼应的一些细节不仔细看甚至对整部剧情无法彻底了解,算是一部电影语言高智商电影吧,值得一看再看
      • 1.即使是天体规律一如既往的旋转,看似永恒,却也会被“突然打断”,何况只是人世间的和谐;2.黑暗中的光,行走,或许孤单,或许愤怒;3.好几个镜头实在太美,沉浸其中,配乐是凄美的忧伤。
      • 没看懂,不过那些长镜头。。。哇
      • 一年五遍。
      • 第一部贝拉·塔尔。没有幕布,直接投到墙上看,黑白助力下大部分夜戏的画框都消失了(更何况是在长镜头运动本来就力求还原空间临场感的情况下)。尤其配乐第一次奏响的夜行一镜,真是动人心魄。我能肯定在影院看反而不会有这个效果,所以这个观看方式大概也参与了一下电影语言的革新。
      • 贝拉·塔尔的布光、构图与长镜调度令人拍案叫绝。跟拍人物行走的长镜时时出现,却次次不同。集装箱车由后景左侧驶至右前的光影流变,独自走夜路的剪影与缓慢后拉镜头。酒馆里的模拟日食,拉德斯基进行曲中的舞蹈,孩子们的锣鼓疯闹。医院中的赤裸老者终于软化了暴徒的强横。雾气吞没了鲸鱼。(9.0/10)
      • 长镜头给人深刻印象 配乐很赞 但我想不会再看第二遍
      • 4K修复版@小西天。1.第一场戏,詹诺斯展现了用语言创造幻象的能力。但走出酒馆后,他不再是神话的主角,塔尔精致的镜头运动强化了摄影机的在场,赋予观众喧宾夺主的权力,而詹诺斯则化身引路的维吉尔,由主角退为领观众游历小镇同时承受观众窥视目光的视角。直到暴乱发生后,摄影机的反向运动重新突出了他丧失天真的脸。2.片名的直译“维克迈斯特的和声”,在象征之外也暗示了电影的结构特征。每一场戏总有另一场作为对位变体(最有意思的一对当属拉德斯基之舞与熊孩子的钹)。影片也正是在音乐家的主题揭示之后,逐渐如音乐移调般由现实滑入幻象。事物的幻象本来亦是现实的倒影,这同样符合等分与对位的法则。3.贝拉·塔尔要对抗故事对人生的抽象化误导,让时间自然流动。但本片反而对物质现实做了更抽象的哲学提炼,而失却了介入真实问题和情感的纯真
      • 原来是部政治电影,对极权主义的恐惧的诗意表达
      • 长镜头和隐喻的利与弊,每次配乐响起我都要起一身鸡皮疙瘩
      • 既可以看作苏联强人政治下的后期统治离心力越来越强的指涉,也可以看作对尼采观点的诠释。雅努什的叔叔借音乐诉说着对现代主义的不满:违背生命冲动与自由意志的、充满工具理性的和谐律,我们理应去质疑它们;能源供应紧缺的居民在渎神的王子煽动下,拿起棍棒在医院打砸抢烧,缺失信仰的人们唯有将拳头挥向更弱小的人方能抚平焦虑与不安。鲸鱼也许是上帝已死后世界孱弱的心脏。当空降匈牙利小镇时,身处压抑封闭的空间中的人们无法视而不见,只得走入疯狂;王子也许是现代文明语境下的“甲壳虫”。没有交代但也无需交代他的样貌,因为千千万被工业社会所异化的人们就是他的样子。近乎是一枚硬币的两面,《雾中风景》不吝对西方世界历史、文明的堕落、信仰的崩坏的批判,但仍对人类有着饱有微弱的希望与爱;而本片传递给我的则是永无止境的灰暗与绝望。
      • 是在自己为自己建立法则,入戏之后看起来还不错,他的长镜头不算复杂,初看有滥用之嫌,但实际极大的服务了自己的人物情绪,并且制造了某种真实让它蔓延到镜头之外,全片最好看的就是那些人物每个镜头最后走着,走很久,又重新定义了心理上的时间。
      • +:比威尔斯的《审判》好不了多少,这也成了一部失败的审美电影。基于稳定器的长镜头并没有什么表达上的系统性,最后反而越来越像是某种帕索里尼式的粗粝表达;滑动(dolly)和变焦时常结合在一起,景深像梦境般飘忽不定,结果和那些时而糟糕的后期配音一样从影像中浮离。这部电影还有一种意料之外的浪漫性(从第一个场景音乐响起时开始),然而那只使它显得更加幼稚。总之,也许我们不会痛恨这部电影,但它从未有任何潜在地可以感人的地方。《潜行者》如何做到了动人?看上去,塔可夫斯基和塔尔在态度上就完全不同。B
      • 已经很久没有过看两个多小时电影不挪窝了,以为是自己精力不行了,其实可能很简单就是电影不行。接下来注定又是一个无眠之夜。东欧人应该对这一部非常感同身受,当巨大的马戏团铁皮车像令人眩晕的铁幕一样降临,谁还能确定日蚀只是短短一瞬?那些被蛊惑的人终究也只是飞扬的尘土,得利的怎么可能是他们?记住永远不要赞美深渊,也不要靠近深渊,因为深渊也在凝望你,随时有可能吞噬你。医院一幕拉开帘子的那一下可能受到《自己去看》的影响,镜头末尾又让人想起萨金塞夫的《无爱可诉》。
      • 塔尔贝拉的影像风格与语言自第一眼已可撼动心灵。漫长的长镜头背后是漫长的拍摄过程,细节锤炼不惜工本,《伦敦来的男人》里为制造理想中海浪拍击港口的效果,令人潜于海中不断向堤岸泼水…种种磨耗致使制片人因巨额投入而崩溃自杀…本片中始终未曾出现的“王子”隐喻倒好似一个对韩寒事件的巨大预言。
    • 豆瓣 8.4 IMDB 7.4 正片
      Blow-Up
      1966
      考驾照
      英国

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      Blow-Up
    • 豆瓣网友的评价
      • 大师,恕难欣赏。也不要和我扯什么存在与否的哲学思想。非要我说的话,一切无法清晰表达的哲学都是假想的哲学。就是这么个简单的道理。
      • 安东尼奥尼在[放大]中提出的核心问题是:事物在什么时候才拥有确切的意义而得以实在地存在。前一秒还视若珍宝的碎吉他下一秒就弃之敝屣,插进车里的政治标语旋即就被风卷走。直到结尾才点透,原来最核心的要素是群体的意见。当群体认可了事物的价值,它才允许存在着——真是当代人的悲哀。
      • 说句题外话,安东尼奥尼有很好的时尚品味。
      • 真实和虚幻的区别,似乎不重要了。结尾一出,五体投地啊。里面的姑娘五彩缤纷的,很好看。为什么安东尼奥尼的电影都有一种“发生了天大的事可世界为什么这么冷漠”的奇特的感觉。。。2017.12.17重看
      • Blow-Up 总是看成 Blow-Job |||
      • 再牛逼都好,我还是很讨厌这片,赤裸裸的男性视角,里面的女性莫名其妙就裸了?完全无法接受,看得坐立难安。虽然这不是电影重点要说的,但我还是很介意这个,男主角从头到尾让我讨厌得想杀死他。看到了周采芹,很惊喜。
      • 人们自己的意识并不是只听从自己的心灵,它很多程度上还是环境的折射和映像,体制的威胁无处不在。如果我们更加深入,可能会触及事物的真相,我们肉眼看不到的东西便会出现。有某个时刻,我们掌握了真实,但真实稍纵即逝。这就是《放大》部分的含义。
      • 让齐泽克和戴锦华都为之着迷的电影。前者关注的是结尾处的无实物网球赛,并将这个空白隐喻地指向尸体,或曰“斑点”;后者关注的是照片冲洗放大过程中的媒介自反。
      • 让姑娘送上门的职业,除了乐手,当然还有摄影师。
      • 强象征性段落组接形成看似放弃叙事天马行空但内核明晰的剧本,喜欢安东尼奥尼这种清楚自己想要什么、在做什么的导演。看不见的尸体不被认可,不存在的网球却成为真理;随环境变化的价值,吉他柄从争打哄抢的目标到被随街丢弃的破烂;这些都是极富形象灵感的哲人才会想到的寓言。更对摄影机本身性质进行了探讨,偷窥癖与男权性:不断放大的过程指涉Peeping Tom行为;优秀的拍摄如同一场强暴,女性是永恒的被凝视客体。这种对媒介的深入反思本身就足以让作品登入影史最重要作品行列。
      • 我们究竟要不要叙事?
      • 前面90%都很普通,除了对红色的迷恋之外,没什么长镜头之类风格化的东西。商业电影放大了他的男性窥视癖视角,充斥对女性身体的剥削和消费。但最后打空网球的神结尾升华并反思了前面的一切。顺便说,这片子可供教学用,讨论图像和田野两种调查方法的优劣。
      • “如果我们更加深入,可能会触及事物的真相,我们肉眼看不到的东西便会出现。我总是不相信我所见的,因为我老想象背后会有些什么。”“有某个时刻,我们掌握了真实,但真实稍纵即逝。”——安东尼奥尼/真实与虚构界线的模糊,导致彻底的不可知论   
      • #重看#@电博;4.5;60年代风味佳,反战、大麻party,the yardbirds客串添亮彩;艺术作品脱离鉴赏的抽象功能,趋零的实利性在日常情境中产生虚无;漫长荒诞的一日一夜,具有巨大的超现实感,当他捡起看不见的网球,他已融入一度拒绝面对的「真空」世界。
      • 开头结尾俯角镜头下的绿草地,消失的主人公和尸体,构成一种对照式的迷题。尽管作为安东尼奥尼故事性最强的电影,但是仍然可以感受到落脚点并非在情节上,而是着眼在男主人公的迷失和焦虑上,环境的因素是不断被强调的,还有深陷其中的人群:摄影棚内的摆姿态的“时装秀”,三人脱衣的戏耍,摇滚音乐会上的狂躁歌手、吉他、疯狂的歌迷,一车狂欢的白脸人打着不存在的网球。男主仿佛是游离在这个世界里的幻影,摄影师恰恰是捕捉真实、抓住在场的职业,这种特性在一次次的放大中分解、弥散了,真实变成了想象中的幻觉,或者这幻觉本就是更为真实的在场。那么人呢?最后安东尼奥尼给出的答案是:消失了。仿佛一切都不存在。
      • 怎么会把电影拍得这么时髦啊!!!什么都不是,又什么都是。
      • 奇怪的观感,细思极恐和故弄玄虚都能说。1.男主在餐馆和Ron计划相册时说要以公园结尾,要暴力之后安静的感觉。2.第一场戏强烈的性爱意味,前半部人物处于权力主导地位,不断冒犯周边,但在放大后对真相被动,也被周边压抑。3.框中构图大法,门缝、玻璃、窗叶、三角等,突出观看/窥探意味。4.涂白脸的默片人物用动作创造网球,然后摄影师传递,声音在画外创造。5.吉他、巴黎和网球似乎暗示,对reality确认受制于conformity,不再有绝对的真。6.女人说尸体照片看起来像画,个人拥有的真被艺术化,这点也对应摄影的悖论,求真不得,艺术受宠。7.神秘的闯入者,危机四伏的树丛,暗掉的标牌,是梦还是假,是希区柯克还是大卫林奇?残缺的信息使得电影如同照片,用影影绰绰的痕迹,把我们困在对真相的追逐中。安东尼奥尼说主人公消失的一幕相当于他的“签名”
      • 我不行。我太讨厌安东尼奥尼表现他的男主角时的那种大男子主义了,展现女性也是以一种极具侵略性的方式,高配版汤福。跟这导演缘尽了
      • 1.安东擒获金棕榈,6年内完成3金大满贯,本片也是票房最高的艺术电影。2.反映纵欲迷狂的"摇摆伦敦"年代,探讨真实与虚幻的哲学问题。3.虚拟网球赛,被欺骗的摄影机与屈服的摄影师。4.消失的男女主角与虚设悬念犹如[奇遇]变奏。5.疯抢得手后弃置街头无人问津的吉他柄,三人性闹剧,古董螺旋桨。(9.0/10)
      • 电影就如同今天的心情一般,平静得略显沉闷,庆幸自己还是耐心地坚持看完了这部作品。被公认的大师拍出来的影像,如若没有观赏者赋予其意义,其所谓蕴含的哲学反思,在普罗大众的脑海中却像是「拍之无物」!对于我这种偏向故事剧情片的专业影迷,在看多了不同大师的作品后,对大师貌似越来越不感冒了!
    • 豆瓣 7.6 IMDB 7.3 HD高清
      Caché
      2005
      剧情片
      法国

      隐藏摄像机

      Caché
    • 豆瓣网友的评价
      • A- 道德实验,政治隐喻。创作方法论是理性。
      • 没有给出答案的悬疑,却留给心灵巨大的震撼。
      • 迈克尔哈耐克的电影总是凌驾于我的解读能力之上,必须要看很多影评才能领略的本片的真正强悍。。。说实话,影片悬疑诡异的剧情让我看着揪心,矛盾与疑问的不断呈现也让我看的头大。。。
      • Michael Haneke个老流氓,用技巧调戏观众……不过很过瘾不是吗。
    • 豆瓣 8.4 IMDB 7.9 HD中字
      4 luni
      2007
      剧情片
      罗马尼亚

      四月三周两天

      4 luni
    • 豆瓣网友的评价
      • 怎么都无法相信这部纯粹的女性电影会出自一个男性导演之手。
      • 他给你的感觉就像“你在喝一杯白开水,喝着喝着突然手一抖,水洒了一地”
      • 对新浪潮与旧时代的凝眸回探,朴素手持长镜,齐奥塞斯库末代。开场半小时的未知目的,庆生宴上焦灼的真实时间,精妙的构图与调度,发展中人口大国的历史。结尾再次对称构图,G面前一盘动物器官,听完侍者介绍再次拿过菜单;O喝了一口白水,四百击般直视镜头。远处婚宴喧腾,忧愁并未了断。
      • 过于熟悉的社会主义味道,亲戚聚餐那段简直就是一帮说着罗马尼亚语的中国人
      • 前三分一我都处于因为加比的愚蠢而气愤到无法欣赏电影的地步,后三分一奥蒂莉亚与男友争吵,说如果自己怀孕了不会指望他,“至少那时候加比会在”。这就是她坚定地为不长性的朋友收烂摊子的原因吧。在身体体验上,两性之间的沟通无能,是宿命,也是无奈。
      • Gabita就是条毒虫。
      • 嘎纳总是选出这种冷冰冰静悄悄的电影
      • 我的疑问贯穿始终——为什么有人可以心安理得的接受别人的帮助甚至要求别人牺牲?看的时候恰逢江歌的事情出来,很生气。
      • 说这部片闷的人根本没有看懂或者没有细心看,那些隐藏在内心的人性
      • 简直就是欧洲学院派的教科书习作!
      • 4.5;藉一天一夜一事件牵扯蕴含丰富信息,黑夜的蹒跚,明灭的灯光,一切都像是山雨欲来的前兆;细节巧妙构思,处处勾勒时代注脚,小格局见大空间,长镜意蕴深远,构图精妙;剧本沉稳有张力,弱化戏剧情节,貌似无痕无波的生命长河,实则处处惊心动魄。
      • 她说这个话题以后不要再谈了,可三缄其口如何抹杀卫生间里那一滩无辜的肉球、混入楼道间里的垃圾和再也洗不干净的身体。蓦然发现情深时的你侬我侬不过意外来时的龟缩叛逃,欢愉的代价就是丧却尊严的屈辱手术。蒙吉偏爱将镜头对准主角面孔,旅馆的堕胎现场或是无聊的饭桌上,无表情的脸上透出复杂况味。
      • 扎实稳健的长镜头,滴水不漏的构图设计,全部服务于”电影语言“叙事,剧变前的风波早已在每一个人心中酝酿。残忍的”身体记忆“,身体共鸣,痛入骨髓。宴席上的众人争执,小房间里两个人的争吵,细节拿捏到位似行云流水。
      • 社会主义长镜头
      • 观众如坐针毡100分钟,国民鞠躬尽瘁被折磨到死。那个还没来到世间的胎儿,是悲剧里唯一的幸运儿。
      • 冷峻的定焦长镜,泥泞破败的罗马尼亚。她走进浴室冲洗下体的那一刹那,突然感觉悲从中来。为了除掉一个身体,就用另一具身体去交换。压抑,焦躁,羞耻统统绞尽心脏,跟餐桌那场置身事外的戏一起精神游离。最后有车开过,仿佛碾过我的血管。
      • av9354470确实“于古有征” 引用:“罗马尼亚曾经为了提高生育率,不允许女性堕胎,市面上也没有计生用品。这样一来,出生率虽然上涨了,但是由于医疗资源短缺,婴幼儿的死亡率就很高。罗马尼亚搞出一个骚操作:3岁前不给出生证明。这样罗马尼亚婴儿死亡率就能为0。”
      • 看到死胎莫名有种爽感,毕竟怀孕实在太恶心了
      • 那种点烟后不知看向何处,打开水龙头放水却什么也不做,按下电梯按钮后等待,拿起菜单以避免交谈……这些“悬停”制造出的静默。正如赫塔·米勒所言:“沉默不是说话中间的一段停顿,而是一个独立的过程。”女主角在手持摄像里,便是这样跟《罗塞塔》相当的战士。看小一点,是蒙吉“这是一部关于友情,责任和爱的电影”的自述。 看大一点,影片发生在1987年,离齐奥塞斯库被枪决还有两年,那道自66年颁布的禁止堕胎法与分配工作制仍然生效。在此期间约有50万罗马尼亚女性因秘密堕胎的安全性而屈辱死去。“人们心目中致使他人痛苦的底线一天天降低,国民对暴力的认知标准也随之降低。”而通过爱,人能更珍惜自己一点,在被忽视与被折磨中,能感到自己并非一无是处。爱成为自由缺乏症的替代疗法。但被丢弃在铁轨上的孩子,比任何一个国家都多。
      • 一个女人堕胎的一天,另一个女人奔走在学校、家庭、酒店、街道以及他人的日常中,看见一个国家、体制的黑暗过往。

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