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个人觉得58年这版胜于今村昌平之后拿金棕榈的翻拍版，电影的审美素来往复盘旋，虽然写实主义仍是当今电影的主流，但50年前的舞台美术现在看来不单没有过时之嫌，倒更具极至的形式感染力，当然两部都堪称不同时代的伟大杰作。 |
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总觉得日本是一个极其悲观的国家，道德束缚感极重，因而人性的挣扎也更剧烈。在传统的日本文学，尤其是战后重建时期的文学，这种惨烈被极致化并上升到艺术的高度。比如说三岛由纪夫的作品。军国主义的兴起看似非理性，可恰恰符合纯粹理性的逻辑。良知和风俗的抵牾，大到足以让人绝望。布景神作。 |
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鼓瑟琴筝泣如诉，拖腔带调声声慢，愚昧与贫穷互生，老而不死是为贼，栖山飘雪欲断魂，人间地狱爱成佛。 |
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木下版的楢山节考其形式的确别具一格。但同时，总觉得歌舞伎是一门形式大于内容的艺术，受到歌舞伎影响的58年版，其形式反而削弱了故事带给人思考的那一部分感觉。与今村那一版一比较，同样一个故事呈现，木下版显得有些软弱无力，无法让人觉得眼中所见，是人类最窘迫无言的残酷现实。 |
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我曾认为彩色电影的光线对比效果永远也比不上黑白片，我曾认为为了反应剧情突然下起雪的处理方法太假太做作，我曾认为讲述过去事情的电影中突兀地在结尾塞入现代进行对比的手法很低级很出戏，而此片花了98分钟将我观影好几年形成下来的这种认知立马全部推翻了。 |
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1. 2012年的《安娜.卡列尼娜》玩儿舞台及现实变换，给了我好多新鲜感，电影可以这样玩儿。看来，那时候见识少，早在半个世纪前木下惠介就玩儿过了。2. 亦幻亦真的场景变换及远山，天的绚丽设置，稻田油画板的感觉，让整个片子更有了不真切的感觉，可惜这都是真的，是人类曾经承受的苦难。 |
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较今村昌平的比较起来，这部更注重戏剧效果。从布景和表演来看更接近舞台剧。颜色鲜艳，油画一般。而且这部的配乐很有特色，应该是日本传统乐器。但总的来说，不知道是不是先入为主的原因，我感觉今村昌平拍的版本与我而言更震撼一些。 |
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1958年的老版《楢山节考》以说书人的说唱来推动叙事。摄影棚拍摄，有歌舞伎与能剧的元素。更多的是用舞台艺术而非电影艺术来表演。转场有强烈的舞台色彩。十分独特。原以为男主角是个不孝子，原来并非如此。主题冷酷而悲伤，但拍得温暖而抒情 |
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#BJIFF2018#人人都是佝着背，天空矮得不够他们直腰。饥饿把视线压得仅及眼前，粮食把人奴役，然后都畸形变异，都小心翼翼。饥饿成了日日侵染入心的病。
场景古拙更显传奇感，是一种悠远的叙说，讲着很远的事。悲歌动人
“妈妈，你怎么不同我说话？还没到，说一句也好。”我止不住哭了 |
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我擦咧这个太震撼啦！新安娜的舞台剧模式原来一点也不原创啊，木下50年代用当时极其有限的技术，拍出了异常丰富的视觉效果啊，场景转换的切换是不切镜头的，这种长镜头帅爆了啊！故事也讲得很棒，我看的两个小时版本完全没有无聊的时候，而且看得我热泪盈眶的…各路老美也都感动震撼滴不行了我看~ |
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老版最后竟然把“弑父者”踢下了山崖，好不畅快... |
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关于母亲的一个悲伤传说，看了半小时就被震住了，真是敬佩黄金时代日本竟有如此绚丽如画的类舞台剧片，木下惠介为四骑士之一。关于乐器，有鼓瑟琴筝，男声浑厚、悲怆、悠转、拖腔带调，似哀乐、似哭号，如泣如诉，悲天跄地欲断肠，最后栖山飘雪、山神显灵，痴儿寻母，看哭了~ |
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木下惠介摄影棚布景下的杰作。超越伦理之上的生死秩序。影片之外的轮回隐喻更富悲剧感。 |
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有如舞台剧般强烈的戏剧冲突，布景流光溢彩，独白如泣如诉。黑泽明说“好剧本应有序、疾、破”，而本片从伊始便疾步向前、步步紧逼，少了一些昌平版的野性，多了几分邪魅的魔力，黑鸦占据黑夜，白雪深埋白骨——是人间炼狱，是世俗的牢笼。木下在这个虚构故事的结尾却以楢山的写实镜头结束，意味深长。 |
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我脑子里微微记得一个小时候听到过的故事，讲一个男人跟他儿子说，你爷爷老了，一无是处了，我们一起用篮子把他抬到山上去扔掉吧。他儿子没说话，跟着他爸一起把爷爷抬去扔掉了，男人随手要把篮子和绳子扔掉时，儿子说:这些工具不要扔啊，等你以后老了，我和我儿子可以用它把你也抬去扔掉啊。
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想起认识的人。80多岁癌症老父不肯如儿愿喝中药留钱给儿，要拿自己的钱买靶向药，被儿记恨。不知夫妻月入过万却向癌症老父索要孙子万余三本学费只拿到五千泪奔的儿，拿到其余五千（后来四年学费都是老父出的）有没想起40多的他还把衣服送回几公里外让70多的母亲手洗，有没想起孙子是父母给养到7岁。 |
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还有早期日本电影的特点，类似旁白的解说，很有意思 |
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作为自然规律的死亡与作为文化习俗的离别，生存环境的艰险与家庭代际的温情，还有布景道具的粗粝与光线色调的诗意……相互叠加出的故事看似直白，又处处曲折。 |
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净琉璃三味线说唱串联，完全在棚内布景拍摄，也正因为在棚内拍摄，打光刻意呈现出不自然的变化，灯亮灯灭、红光绿光强烈对比，人为移动布景镜头移动直接连接换场，多用中远景镜头，有种很特别的舞台艺术效果。这放在木下导演自己也是风格很特别的一部实验作品。
片名里的”节“意为小调，所以木下导演用三味线配乐着重表现主义。83年今村导演版则完全实景突出写实主义，又填充几条人物线索，加上动物镜头，更深化生死繁衍的残酷涵义。 |
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#SIFF2020# 这部木下惠介的老版舞台感太重，棚拍，舞台剧的打光及布景，走的是形式，但不是电影形式，而是戏剧形式，有较强的间离感… 此时摄影机的在场与镜头的取景所具备的特殊意义几乎没有。通常这种电影我很难进入。今村版虽是翻拍，但添入了自己的作者特征，同时发挥出写实的力量。个人更喜欢今村昌平版。 |
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深泽七郎这故事早已熟知，畏惧弃老主题的虐心，一直没看电影版。最近计划补完今村昌平，深知今村氏现实主义的酷烈，遂决定先易后难，在看83版前先把木下惠介这版看掉。看前半觉得净琉璃三味线说唱、精致的棚内搭景、舞台剧化的打光与转场这些形式元素多少冲淡了悲剧气氛。直到高潮的背母入山：说唱淡出只余悲戚的琴声、母亲狠下心无视儿子的哀求不发一语、长镜保持中远景默默横摇追随两入两出楢山走过的苍凉天地…还是彻底折服于木下惠介的形式下浓烈的抒情力量。 |
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相比今村版，完全是舞台剧，更古朴 |
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1.鄉村自為的話語體系和規訓建制往往具有獨立於整個社會統系之外的合法性，對其成員的效力和束約與國家權力無別；2.對於愚昧無知的批判似乎有可待商榷之處，物質條件對於群體認知具有決定性的制約影響，而群體規則又內化為個體的行為，道德踐行受制于外在基礎；3.荒涼現實下人性瀕於泯滅，或食其子。 |
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58版偏温情底色，偶尔的“感动中国”时刻不甚喜欢。最大惊喜当然是舞台剧风格下极具东方特色的美术布景，细节丰满，有气韵、有气势；木下惠介用很多日本传统技艺文化元素来做形式创新这一点则是支撑这个片走向伟大的另一个原因，但全程没断过的拨琴声配哭腔鼻音唱词于我而言，既毛骨悚然，又摇摇欲睡。 |
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“歌舞伎与净琉璃，木下惠介通过将高度风格化日本传统舞台艺术搬上银幕，减缓了本片“弃老荒山”主题之严峻。……潜文可析。导演其实是在借神秘穷乡的顽固传统去隐喻军国主义主宰下的日本战时社会的严苛道德状况。大量的个人良知陷入到与僵化的社会从俗之间的冲突中。日本人温和的那一面也被狂热的国家主义利益诉求粗暴压制。所以这部电影可被解读为是关于盲目忠诚以及以大因名义牺牲小我之危险的一个寓言。” |
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20181130 资料馆 能乐的形式，舞台化的转场和人工的布景，其实都在时刻提示着故事本身的历史性或“博物馆化”，是文字的，非在场的传说。电影如同一副历史画，导演把画框也画进去了，这也很好理解为什么影片最后，火车进站，镜头定格在“弃老”二字的站牌上。 |
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色彩冲击力非常强，转场吓了我一跳。布景虚实结合，味道特别浓。故事先不评价，再看今村昌平版。 |
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舞台剧，气场非常正！这么残酷的故事，可跟今村昌平一比，木下惠介的底色还是温暖的。 |
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今村昌平的同名电影估计是占了时间上的优势，在画面上做得更锐利了一点，而且取消了旁白歌曲，应该是照顾后来的观众的原因。但是其他方面木下惠介的这部电影一点也不逊于今村昌平的那部。演员虽然没有后来的好看，但是相当具有真实感。 |
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浓重的舞台感 灯光强大摄影好优雅音乐很入戏 古典美又有日本神秘主义气质 非常喜欢 |
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相比于今村的版本，这一版更注重戏剧性与仪式感，布景及转场都相当华丽，色彩明艳，却透着一股鬼魅般的气质，风格与《怪谈》相似；从头到尾的日式传统歌艺充斥全片，营造出一份幽谧古典的气质，人物在道德与人性上也越发的纠结彷徨；木下或许是那个时代最守旧也最具创新意识的导演了！ |
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呢個係木下惠介版本, 有趣既係同一本深澤七郎的書同故仔, 拍出兩部折然不同的電影. 話說係日本某一窮鄉僻壤, 流傳一個古老的傳統, 老人七十歲以上就要上楢山, 一個人終老(事實上係村裡糧食唔夠,而老人生產力低). 木下的版本幾乎是歌頌傳統, 不過有趣的是整部戲幾乎全是以日式傳統能劇的手法拍出來. |
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2020187 上影节第十二场。没想到木下惠介这版如此重形式感，说书独唱与剧场布景演绎传说故事，配合棚内打光更增强吃人社会的鬼魅之感。田中绢代真得优秀。 |
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相比今村昌平的现实主义，木下惠介刻意凸显了故事的戏剧性，棚景、水墨、鲜艳的色彩，极具舞台感。民谣配合传统的弹唱强势地介入，比画面更早揭示情节发展及人物内心的震动，但同时也形成了一种“覆盖”，过于明确的判断让观众远离角色，丧失了共情可能，正如邻家儿子背父亲上山一段，父亲绝望的挣扎淹没在赞美的歌谣中。唯一的实景出现在结尾，火车驶向楢山，这一现代科技的造物揭示了整部电影的视点，木下惠介是以现代人的角度去审视楢山的弃老故事，最明显的地方在于将弑父者推下山崖，这一改动是无疑的道德审判，而弑母者辰平显然并没有做出判决的资格。最后夫妻二人的对话是一种体面的虚伪，与其说在缅怀亲情，不如说在谈顺应传统从容赴死的必要。 |
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技法上一直用画外音介入（补充），内容上却强调无言的心照不宣，影片所呈现出难兼容的复杂性，因此观众并未真正被视为观众，更像依附于此的特定产物，寥寥数笔写意风格廓然跃于纸上，开创影像东方美学，以此为基础所扩展出的悲剧性也并未拘泥于某类眼光，逐渐升腾到更为开阔的自然眼界，达到悲怆高度。 |
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为牺牲找一个崇高的理由...幸亏补看了这一版 否则亏大了！老版艺术性完爆83版 实景搭的特别有美感 配色明丽 光影流转 村舍干净整洁 转场酷炫自然 还有唱念的旁白 比话剧灵动 比舞台剧丰富 比纯电影内敛 古典的美 美的很～ |
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單看開場的歌謠和結尾的火車，就足以顯見木下惠介的誤讀，既沒搞懂深澤七郎以古喻今的墮落暗示，而又失之今村昌平自創的幼稚卻崇高如斯的高古人情。刻意讓一切限縮在「被遺忘的土地」、「不為人知的故曲」的結果，便是觀眾亦只能將一切都收結於現代性（Modernity）下的窺奇，再無其他延意。 |
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布景、转场、灯光都是舞台剧的玩法，形式大于内容，以及好少的特写镜头都看不清演员到底长啥样~ |
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不断的唱歌、尴尬的演技、很假的布景，实在是没有可取之处啊 |
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独具一格的艺术风格，布景、转场和别有日本风情的旁白都带着刻印着一个时代和一个文化的深刻笔触。电影的颜色有如油画一般浓重而鲜艳，三味线的配乐也十分应和着全剧荒谬而又悲凉的氛围。影片终章楢山上面令人触目惊心的一幕久久无法让人忘怀，故事性上为艺术演绎稍做了牺牲，但带入后依然后脊发凉。 |
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尽管看过今村那版，在观看这版之前还是纠结了许久，甚至中间多次暂停，实在因为这是个太过现实和残忍的故事，果然最后母子二度分离时，眼泪还是忍不住。木下惠介在写实性上输给了翻拍他的今村昌平，但却在那个于我们来讲遥远的年代，第一次拍出了如此伟大的作品，形式如何于我来讲其实已变得不再重要。 |
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舞台剧的形式倒不新鲜，同时期中国也在拍黄梅戏电影，只不过歌舞伎和三味线只在这里旁白和配乐，舞台场景铺张，切换有想象力，眼下看也不过时，美术在通俗艺术的范畴内很到位。战后电影里日本农民的形象似乎偏猥琐怯懦，楢山节考这个故事本身也极别扭，后半段严重啰嗦，主旨已讲尽，只剩无谓的机械展示 |
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木下根本是当舞台剧在拍吧。神奇的我居然看完了——虽然那个ms三弦的配乐弄得我头疼。滤镜的使用倒是很奇妙的。还有一些照理说是近景甚至特写的镜头给了中景。 |
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不得不说，这个版本更有爱，是人的故事不是动物的故事。前景有剧场的感觉。背景色调的转变配合人物心理变化。 |
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物質匱乏之下的綿綿生之苦痛，永恆的時代命題。
古典、殘酷、厚重、綿長。
撞落的牙齒，是深沉的苦難，是血腥的隱喻，是悲愴的控訴。
美術極其出色，濃郁色彩與規整構圖共同構成裝飾性極強的舞台畫面，每一幀都是精心鋪排的風土浮世繪。高度風格化的美學特色，鮮明強烈同時又和諧統一，影像風格純熟。
高飽和色彩渲染的迷幻觀感，帶著森森鬼氣，使人如墜虛空夢境。
完完全全靠打光佈景所營造出的異彩之境，太牛逼。
極其日本的電影，也唯有日本才能拍出這樣的電影。 |
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歌舞片的形式，舞台化的布景和转场手法，美轮美奂。故事内核上同郭巨埋儿相差无几，但影片并没有强烈渲染这一旧俗的非人道，而是着重展现出老人的从容和亲人们的复杂心情，令本片成为一部描绘普通农民家庭温情故事的作品。导演在处理矛盾上，将死亡赋予了生的希望，在异样的人生观中寻找到了对人性的思考。 |
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余：超喜欢木下惠介的《楢山节栲》，个人感觉比今村昌平的获奖电影版本要好，影片中舞台浓郁色彩所带来的舞台戏剧化效果，以及人物的心理表现的纪实手法，让观众在现实和戏剧间游离，惟妙惟肖，出神入化！—— Panda：光怪陆离的打光与舞台换景式转场确实很赞，但我更青睐更为写实生猛残酷的1983年版。 |
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舞台美工灯光布景都充满了古典美，将日本文乐中的净琉璃表演方式作为电影的旁白配乐。相比今村版木下版人物性格更加的纯粹更加的黑白分明，在感动人心的剧情背后却是战后日本山村百姓的生活写照，而阿玲婆这个人物更是传统日本人的典型他们知道什么时候必须要牺牲以及牺牲的目的又是什么。 |
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今村昌平的版本更注重对残酷条件下的人性恶的揭露，显得震撼力十足。而老版则把重点母子之间亲情的部分，细腻地拍出了了他们分离的无奈和悲恸，显得更动人也更赚人眼泪。两个版本都很棒。 |
